Carré Rond

Zevs " liquide", les frères Chapman tatouent. Cabaret Voltaire, Dada Zürich.

2010-11-08T12:51:00.014Z

Il me fallait aussi écrire un billet sur la performance "Liquidated Murakami Vuitton logo" courte et belle chorégraphie de Zevs réalisée pour le Cabaret Voltaire qui accueillait en même temps les oeuvres des frères Chapman : notamment un Brueghel le Jeune (dit aussi Brueghel l'Enfer), authentique peinture originale du XVI ème, dont ils ont repeint l'ensemble des visages. Alors que leur oeuvre questionne la notion d'auteur, de parasitage ainsi que la fabrication de la valeur d'une oeuvre d'art, (un Brueghel tatoué par les les Chapman vaut il plus que sans ? une peinture des Chapman seuls vaut elle moins chère que quant ils "re"peignent un Brueghel ?) il m'est apparu pertinent de présenter Zevs qui joue également avec ses logos liquidés sur un registre du détournement et du parasitage. Zevs a commencé par intervenir dans la rue, les métros parisiens, on doit d'ailleurs son nom au Rer A "Zeus" qui a manqué de le tuer alors que jeune adolescent de 15 ans il graffait. Il liquidait sur les murs Mac Donald, Lavazza ou Chanel, alors forcément qu'il vienne au Cabaret Voltaire situé dans une des principales artères commerçantes de Zurich, remplie de logos, cela jouait comme un miroir déformant et adressait un clin d'oeil aux dadas et à leur contestation et déconstruction des valeurs bourgeoises. Là, pour le Cabaret Voltaire

il "liquide" non un mur mais le dos d'une femme nue recouverte du logo multicolore de Vuitton, posant aussi la question de logo comme seconde peau.

Si on lit le magnifique "Lipstick Traces, une histoire secrète du xx ième siècle "de Greil Marcus, où retraçant l’histoire de l'enregistrement "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan, l’auteur remonte aux origines de la pensée contestataire aux États-Unis et en Europe. De 1965 à 2005 avec le "sociopathe" Jonnhy Rotten des Sex Pitols, il tisse sur fond d'histoire sociale , un lien entre entre Dada, les Situationistes et le mouvement punk. Suite à la parution de ce livre phare en 1989, sort 20 ans plus tard "Like liptick traces" où Aurélien Arbet et Jérèmie Egry ont demandé à 13 jeunes graffeurs de photographier leur vie ou leur oeuvre avec un polaroid. Comme eux nous plaçons le graffiti comme une cicatrice impulsive marginale, éphémère d'une volonté contestataire, proche de ce qu'avaient voulu faire dadas, punks. Peut-être sont ils parfois en voie d'être présentés en tous cas par la mode et la pub comme le pitch absolu. Inviter Zevs partait de cette intuition, de la filiation street art /dada en posant également la question du risque d'institutionalisation d'une telle démarche. (Photos courtesy Jacintha Barth)

Lancement de OGMS au Cabaret Voltaire : une galerie dans un tiroir.

2010-10-08T09:02:00.011+01:00

Le concept est simple, OGMS est une galerie dans un tiroir qui accueille donc des artistes à exposer dans le dit tiroir, c'est à l'initiative des artistes Ivan Moudov, Steven Guermeur, Kamen Stoyanov qui ont déjà lancé un tiroir à Sofia, celui de la cuisine de la galerie ICA.

Alors que les frères Chapman vont exposer dans la crypte du Cabaret Voltaire la peinture de Bruegel L'ancien dont ils ont "tatoué" les visages, il nous est apparu opportun de décliner le thème du parasite, de l'infiltration , sous une autre forme: Nous inpirant librement du musée en tiroirs de Distel, le tiroir détourné sera celui du display des sacs Freitag, marque zürichoise renommée. A chaque vernissage de la crypte un vernissage du tiroir est prévu avec un nouvel artiste.

La première invitée est Esther Kempf qui propose " L'Adultera", dans son tiroir : elle surprend le curieux avec des objets quotidiens de bureau ne tenant entre eux que par la mise en tension qui les appuie les uns aux autres, le titre de cet équilibre précaire "caché" dans un tiroir est aussi donné par le nom du livre utilisé, travail tout en finesse.

"Urban Camouflage" Collaboration entre le Cabaret Voltaire et les étudiants de l'Université de Design de Zürich (Zhdk)

2010-10-06T10:26:00.019+01:00

En attendant la venue de Zevs et de ses "Liquidated logos", nous avons exposé le fruit de la collaboration menée avec les étudiants de l'université de design de Zürich (zhdk), Bitten Stetter leur professeur d'Hamburg et moi, intervenant Cabaret Voltaire, autour du thème Urban Camouflage. Après briefs, questions brainstorming et production , 18 travaux ont été présentés, parmi eux : " Schuhmaskerade" : partant de l'adage "montre moi tes chaussures, je te dirais qui tu es" Henriette Herm propose des masques pour camoufler et changer de chaussures,

" Reclaim your space " où Jonas Haefele utilise le ruban des travaux publics recyclé pour lutter contre le rétrécissement de son espace urbain notamment dans le métro ", Marko Radeta propose " Ibible" une bible comme étui d'Iphone, de manière à feuilleter l'Ancien et Le Nouveau G4 comme jamais auparavent, Katrin Schrantz propose "Hidden Sugar" des bijoux en sucre, fabriqué avec le nombre de morceaux présents dans la friandise donnant son nom au bijou, les boucles d'oreilles "Bounty" sont assez fatales ! Sinon j'oubliais une autre des contraines de l'exercice : trouver une solution pour présenter l'ensemble des propositions sur un socle de 12 m2 !

Cannelle Tanc " L'âge des choses légères / Die Zeit der leichte Dinge" ä l'Architektur Forum Zürich

2010-09-30T14:03:00.012+01:00

Pour ceux qui n'ont pas pu venir à Zürich voir l'expo de Cannelle Tanc "L' âge des choses légères" que j'ai organisé à l'Architektur Forum, voici quelques photos, un petit texte, sachant que le tout était accompagné de la présence de l'artiste et des journalistes de Kunst Bulletin (magazine d'art contemporain le plus lu là-bas), de crêpes légères et de bulles de prosecco, rapport au titre !!!

Donc :

Pour l’Architektur Forum Zürich et l’événement Kreislauf 4+5 , Cannelle Tanc présente son travail sur les cartes papier de mégapoles mythiques: New-York, Bejing, Los Angeles, Paris et Zürich, cartes qu’elle obtient en répètant un procédé précis: découper et retirer ce qui n’est ni espace vert, ni fleuve, ni voie de circulation et puis plier pour reformer un nouveau volume.

De cette manière, la carte, qui n’est jamais la réalité, n’est plus arrétée par ses bords, la représentation perd ses limites.

L’ensemble obtenu contraste souvent avec l’idée que l’on se fait d’une mégapole actuelle: son image de densité, de concentration, de bloc. Dans les travaux de Cannelle Tanc, l’espace est découpé pour faire ressortir la lumière, la transparence, l’interstice, suggérant ainsi que le nouveau luxe urbain serait le vide, se lirait à la lumière des creux et des transparences, à l’importance des friches, des voies de circulation.

En privilégiant dans son choix de matériaux et de procédés, une carte papier, des photos, des ciseaux, l’artiste choisit une économie de moyen, invitant là encore à réfléchir.

Sa manière de découper est aussi une manière de dessiner, de retracer des lignes, et en les pliant, s’appropriant la pensée de Deleuze, elle nous montre qu’une ville n’est pas uniquement une somme d’habitats individuels et d’institutions mais plutôt un dessin, un tissu de réseaux, de plis, toujours en devenir, qu’il nous appartient de penser et de faire évoluer avec économie et légèreté.

Diplômée des Beaux Arts de Paris, Cannelle Tanc, après avoir effectué plusieurs résidences, vit entre Paris et Berlin. Elle nous a confié ses références qui sont à chercher du côté de Deleuze, Mallet Stevens, Le Corbusier, Buckminster Fuller.

Cannelle Tanc "Die Zeit der leichte Dinge"

Kuratorin: Valentine Meyer

Das Architektur Forum Zürich zeigt anlässlich der Veranstaltung Kreislauf 4+5 die Arbeit von Cannelle Tanc mit Stadtplänen von mythischen Megastädten: New York, Peking, Los Angeles, Paris und Zürich. Ihre Werke entstehen durch die Wiederholung eines präzisen Prozesses: sie schneidet und entfernt alles, das weder Grün, noch Gewässer, noch Verkehrsweg ist und faltet dann das Verbliebene zu einem neuen Volumen.

Auf diese Weise ist der Stadtplan, der nie der Realität entspricht, nicht mehr durch seine Ränder begrenzt. Das Abbild der Stadt verliert ihre Grenzen.

Das resultierende Werk steht oft in Kontrast mit den Vorstellungen der heutigen Megastadt: Dichte und Konzentration von Gebautem. In ihren Arbeiten verschafft Cannelle Tanc dem Raum Luft und lässt das Licht, die Transparenz und das Dazwischen hervortreten. Damit deutet sie darauf hin, dass den neuen urbanen Luxus die Leere auszeichnen wird, ablesbar im Hohlraum und der Transparenz sowie der Bedeutung von Brachen und Verkehrswegen.

Mit ihrer Material- und Werkzeugwahl – Papier, Fotos, Schere – wählte die Künstlerin eine Ökonomie der Mittel und regt zum eigenen Tun und Denken an.

Ihre Art des Schneidens ist auch ein Weg zu zeichnen, Linien und Spuren zu vergegenwärtigen. Mit dem Biegen – in Anlehnung an die Ideen von Deleuze – zeigt sie uns, dass eine Stadt nicht nur eine Summe von individuellen Lebensräumen und Institutionen ist, sondern vielmehr eine Zeichnung, ein Netz von Gewebe und Falten, immerzu das, was wir zu denken und mit Wirtschaft und Leichtigkeit zu entwickeln vermögen.

Diplomiert an der Beaux Arts in Paris lebt Cannelle Tanc nach mehreren Atelierstipendien im Ausland in Paris und Berlin. Ihre Arbeiten nehmen Bezug auf Werke von Deleuze, Mallet Stevens, Le Corbusier sowie Buckminster Fuller.

Mars-Avril 2010 au Cabaret Voltaire, Dada Haus in Zürich

2010-05-01T10:14:00.019+01:00

Ce sera plus calme, me disais-je, après les fêtes, ce sera forcément plus calme, il fait -17 °C et il re-neige. Et bien finalement pas tant que ça : avec au programme de la boutique des valises à l'esthétique Jacques Tati-esque, contenant des outils de cuisine qui vrombissent, des trombones, règle, stylos qui bougent tout seuls sur un bureau magique,

truffé en fait d'électronique et d'informatique, programmé par l'artiste StefanDoepner, présent au dernier Ars Electronica de Linz.

Et puis après la vidéo de Sweltana Hager sur Emmy Hennings, baronnesse dada, c'est au tour du collectif slovène IRWIN d'investir la crypte. Ils s'interrogent sur la contradiction d'un art sacré, fait pourtant avec des choses de tous les jours : ils ont invité un vrai pope macédonien, à réciter en habit de culte, les poèmes d'Hugo Ball au milieu des icônes et manifestes dadas réencadrés par leurs soins : Cabaret Voltaire, tout est possible !

Pendant ce temps, Ivan Moudov, artiste bulgare, venait en voiture depuis Sofia et essayait de passer la frontière suisse avec ses 100 bouteilles de vin "Wine for Opening" série limitée, produite spécifiquement pour le Cabaret Voltaire. Il y a réussi, moralité pour le vernissage, défiant les volcans islandais et les douaniers suisses, nous avons eu le plaisir et le soulagement d'avoir l'artiste et le vin pour une performance suscitant l'adhésion d'un large public débordant d'ailleurs sur la Niederdorfstrasse.

"Wine for opening" est un concept et un geste symbolique qu'avait développé Ivan Moudov pour la Biennale de Venise où plutôt que d'investir le pavillon bulgare, l'artiste avait choisi de produire son vin, délicieux au demeurant, de l'offrir et le livrer à chaque pavillon national pour le vernissage, interrogeant la valeur de l'art et soulignant que ce que retient davantage le monde de l'art est la valeur sociale du vernissage, boire entre pairs peut-être plus que les oeuvres elles même. Nous avons souhaité prolonger l'experience et proposer aussi un "Wine for Opening", dans ce lieu dada qui fut d'abord un cabaret.

Dans un autre genre, j'ai eu la surprise de voir Adrian accompagné par un Frère Chapman (Dinos ou Jake ?) alors que je les imaginais forcément par paire. Il venait en visite de reconnaissance pour leur exposition au mois de Juin, il a ri dans ma boutique et est reparti avec quelques babioles dadas.

Et puis Yona Friedman, gentiment accompagné par Kamel Mennour, nous a fait l'honneur d'une visite où il a échangé avec Tomas Saraceno sur les thèmes du "Merzbau", des utopies et comment les faire advenir : passionnant, fin et revigorant.

Pour finir je vous annonce le retour de Cannelle Tanc à Zürich , invitée pendant le Kreislauf 4 & 5, par le prestigieux Architektur Forum en partenariat avec Kunstbulletin pour une exposition : " Le Temps des choses légères" dont je suis la curatrice, vernissage le 8 Mai, pour en savoir plus d'ici le prochain billet , voici le lien ici.

Janvier 2010 au Cabaret Voltaire, Zürich.

2010-02-08T10:43:00.034Z

Et c'est parti pour une année et une décennie!

Pour commencer l'année sous le signe de la tolérance et de l'humour, voici la photo promise des minarets de jardin que je vends en exclusivité au Cabaret Voltaire pour changer des nains de jardin qui ont été repris dans la page politique de "Die

Welt" (équivalent allemand du"Monde") grâce à l'interview qu 'a bien voulu leur donner le designer Théo Felix.

Et puis le 14 Janvier ce fut

le vernissage d' "Utopies incarnées" en présence de l'artiste Frédéric Vincent avec mes supporters favoris : Sandrine C (rédactrice en chef de la plateforme culturelle francophone de Zürich Aux arts.etc), Suzanne R, mon architecte préférée , Marina C pétillante photographe brésilienne et mes directeurs : Philipp Meier (avec la barbe) et Adrian Notz. Très bel accueil reservé aux oeuvres de Frédéric Vincent et Cannelle Tanc, puisque nous avons des collectionneurs qui sont devenus acquéreurs, et que les agendas select du Kunst Bulletin et de Aux arts etc ont selectionné cette exposition !

Et puis pour fêter la sortie du cahier en éditi

on limitée "Il viaggo meraviglioso", autour de la figure d'Harald Szeemann, Gianna Ruepp son assistante à l'origine du projet d'édition et coordinatrice de l'exposition au Museo d'Arte Mendrisio, a organisé une belle fête avec projection de films d'archives mais aussi panetone géant et vin préféré d'HS (celui dont les caisses vides lui servaient à ranger ses archives). Réalisé en collaboration avec le designer Tomas German, le cahier numéroté, en vente dans ma boutique, est touchant car il montre à quel point Harald Szeemann travaillait et veillait à tout pour une exposition, ses échanges de fax avc les artistes bien sûr, ses dessins précis pour les affiches possibles, ses multiples croquis de plans d'élévation : bref peu de miracles sous le soleil !

"So Sorry", Ai Weiwei , Haus der Kunst, München

2010-01-13T13:08:00.009Z

Né en 1957 à Pekin, Ai Weiwei est issu d'une famille d'intellectuels : son père poète résistant au pouvoir de Mao, fut sévèrement puni et la famille déportée dans la province Xinjang. Réhabilitée par le PC en 1976, la famille put regagner Pékin, le père en profita aussi pour pouvoir voyager en Allemagne. Weiwei étudia d'abord à la Film Academy de Pékin, puis en 1981, partit à NY étudier à la Parsons School et y rencontrer les "mentors" de son père : Allen Ginsberg, Jasper Johns, Wharol, Duchamp.

De retour en Chine en 1993, Weiwei en plus de sa pratique artistique décide de prendre part dans la formation d'une scène artistique alternative : ouverture d'espaces d'art à Pékin et création d'une maison d'édition. En 2000 il organise et met en scéne " Fuck off" à Shanghai, foire alternative à l'officielle Shanghai Biennale; en chinois; le titre était traduit par "Do not cooperate": la police ferma la foire.

En 1999 il ouvrit son propre studio, notement d'architecture. Il rencontra Herzog et De Meuron par l'intermédiaire de l'ambassadeur et grand collectionneur suisse Uli Sigg. A sa société il donna le nom de "Fake design" , mot qui apparaît souvent pour qualifier les relations commerciales de la Chine avec le reste du monde, et qui prononcé en Chinois Pinyin signifie aussi "fuck". Selon Weiwei, dans notre monde aujourd'hui "so sorry" serait la version "politically correct" de " fuck of " sorte de fausse explication donnée par les institutions et le pouvoir à ses citoyens, et ce en Chine et ailleurs.

Engagement, puissance et finesse sont les mots qui me viennent à l'esprit pour qualifier l'exposition "So sorry". Engagement politique : le choix de ce lieu, voulu et construit par Hitler pour y exposer sa conception de l'art, celui qui n'était pas "dégénéré", est loin d'être neutre en terme de critique par rapport à un pouvoir, du moins que l'on puisse dire, totalitaire.

Engagement quand on voit le film retraçant l'organisation nécessaire au projet de Weiwei pour la Dokumenta : inviter 1001 chinois à venir visiter Kassel et donc à sortir de la Chine. On le voit notement en réunion avec les chefs cuisiniers pour recommander des champignons comme accompagnement pour le boeuf ou encore tester les matelas des lits pour ses 1001 invités. Et puis ses visages anonymes si heureux à l'arrivée de l'aéroport de Kassel, émouvant.

Et puis encore il a dessiné les valises à roulette, chacune en noir et blanc mais différente et les a fait parvenir en Chine avant le départ. Alors les voir rouler de dos, ca ressemble à un immense panda, version puzzle roulant, émouvant.

La grande salle : son tapis, ses racines d'arbres et ses photos : puissance et finesse. Puissance avec la taille de la pièce, le nombre de racines d'arbres posées, la multiplication des portraits, finesse du tapis, on pourrait passer sans le voir. Pour autant tout est là, Weiwei a fait reproduire dalle par dalle le sol de la pièce puis reproduire en Chine sous forme de tapis, rejouant "fake", mais au lieu de la pierre dure et sonore, il a choisi un tapis laineux et chaud , créant une seconde peau, recouvrant le passé tout en gardant ses cicatrices. Dessus les racines, invitation à la contemplation. Autour les gens. Une grande exposition ! (Haus Der Kunst, Munchen 12 Oct- 17 Janvier 2010).

Cabaret Voltaire, quelques images de 2009, il était temps !

2009-12-31T11:13:00.009Z

Avant de glisser vers les ronds et les bulles de 2010, à la demande de certains voici quelques photos du Cabaret Voltaire pour vous donner envie de venir me voir à Zürich !

Ca commence par John Giorno l'ex amant d'Andy Wharol, formidable poète performeur, venu fêter depuis New York avec d'autres artistes, Michel et Valentine notamment, les 5 ans de réouverture du Cabaret Voltaire, il parle et danse l'amour, le sexe, l'amitié, la trahison, la mort ...

et puis ca continue avec des taggeurs ignorants comparant dadaisme et fascisme à l'occasion des 100 ans du Futurisme fêté au Cabaret Voltaire; nous avons gardé le tag jusqu à la venue du Consul Italien, et envoyé notre réponse documentée par voie de presse, profitant de ce "prétexte" pour échanger et encore rappeler la contre verité de ces propos ...

et puis mon amie Sandrine que je ne connaissais pas encore, qui m'a demandé si il était possible de se changer dans les toilettes ... et qui en est ressortie en Nana St Phalle !

et puis la boutique de Noël qui m' a bien occupée, il a fallu trouver une ribambelle de babioles dadas : Toasts en béton de Mariann L, Tee Shirt Skate Moss Ca c'est Vraiment Chic, Vases Tsé Tsé, Nappes Zanzibar, Do Disturb d'Atypyk, Echarpes Monster Your Friends, Masques animaux anti-grippe de Tokyo, Kuehn Keramiq de Berlin, Tasses Nipple, pour aller vers le site de la boutique c'est Là.

Et puis la votation des Minarets, donc j ai profité du fait que notre Sapin n'ait pas tenu le choc sous les sunlights, pour le remplacer par un petit jardin, ou j'ai planté d'adorables minarets en bois du designer Théo Felix, propsant ainsi une réelle alternative aux nains de jardin ...je n'ai pas encore téléchargé la photo, elle devrait donc être en ligne l'an prochain .

Comme ils disent ici, ich wünsche Euch einen Guten Rutsch, en traduction littörale, ca donne je vous souhaite une bonne glissade vers 2010 et ses rondeurs ! Au programme dès Janvier 2010 je recois la visite de Cannelle Tanc et Frédéric Vincent, qui viennent glisser leurs "Utopies Incarnées" dans les Vitrines du Cabaret Voltaire, le vernissage c'est jeudi 14 Janvier !

Biennale de Lyon, Le Spectacle du Quotidien (jusqu'au 3 Janvier 2010)

2009-09-30T10:26:00.008+01:00

Formidable biennale, d'où se dégage une impression de fluidité et de partage. Le thème renvoie au groupe Fluxus, à Robert Filliou qui disait que : "l'art c'est ce qui rend la vie plus belle que l'art".Il est traduit dans de multiples formes, avec les touchantes chaises de Georges Brecht présentées comme fil rouge de l'ensemble (Chair Events 9 Event Glasses, 1960-1986).

On oublie complètement que le commissaire d'exposition, Hou Hanrou, en remplaçant Catherine David au pied levé, n'a eu que 6 mois pour préparer cette Biennale dont 60 % des oeuvres sont produites spécifiquement pour l'occasion.

Dans l'entrepôt Bichat, Pedro Cabrita Reis redessine avec force et poésie l'espace avec des néons, ceux-là même qu'on aurait pu trouvé dans cet atelier si il n'était pas désaffecté. (Les Dormeurs 2009)

La Sucrière, ancienne usine de sucre le long de la Saone, accueille aussi dans ses beaux volumes des pièces extra-ordinaires. D'entrée de jeu, on entend frapper, c'est le portail de Shilpa Gupta qui se cogne dans le mur, puis la grille s'éloigne à nouveau pour revenir dans un mouvement que l'on comprend permanent pour retaper de plus belle (Sans Titre 2009). Cette radicalité sur le thème de l'enfermement combiné à une économie de signes m'a fait pensé à l'installation vénitienne de Claude Lévêque. Posé à côté de marionnettes que l'on devine par leur ombres, la vidéo d'Eko Nugroho montre son travail en résidence à Vaux en Velin , où en collaboration avec des jeunes il a réalisé des marionnettes indonésiennes pour jouer et danser à partir des questions posées par les jeunes sur l'amour, l'identité et la précarité.

Et puis plus loin, une vidéo de Lin Yilin où l on voie un jeune menotté et accroupi essayant de marcher dans les rues d'une grande ville dans l'indifférence générale .... no comment.

A l'étage, les murs recouverts d'affiches (notamment "Artistes encore un effort")par les 4 participants de UN NOUS avec au centre une maquette de ville utopique en plexi multicolore que l`òn ne peut apercevoir que par les fenêtres

Encore au dessus, la salle avec les cabanes de pêcheurs d Agnès Varda cohabite avec la table ronde du Collectif Yangjiang Group où une dizaine d'hommes sont attablés mi-tripot, mi-resto avec des écrans rediffusant résultats de matchs de foot etc et ca m'a tellement rappelé la Chine...

Dans le musée d'art contemporain j'ai retenu l'installation lumineuse de Sarkis (L'Ouverture 2009), avec journaux balayés par une soufflerie et celle de Torolab, collectif mexicain exposant un laboratoire à idees destinées à améliorer la vie quotidienne ...

Et puis il y a aussi le sympathique Institut d'art contemporain qui présente les travaux des artistes nés dans les années 70- 80 (Botto e Bruno, Kuang Yu Tsui ...).

Bref ca vaut vraiment le coup d un aller-retour, pour plus d'infos aller sur le site de la Biennale

qui se tient jusqu'au 3 janvier 2010 !

Graffiti, Etat des lieux (jusqu au 10 octobre 09, Galerie du Jour Agnès B)

2009-09-30T09:53:00.010+01:00

Voilà quelques photos mal faites des travaux présentés, la majorité des graffitis a été realisé dans l'espace de la galerie la veille du vernissage.

Alors oui ça fonctionne souvent mieux sur les quais de chemin de fer ou dans la rue, mais cette exposition a les avantages de ses défauts : reconnaitre les graffeurs selectionnés en tant qu artistes, avec un statut économique qui va avec et Agnès B a été une des toutes premières à les défendre. Et puis avoir un ensemble, très touffu certes (impression due également aux centaines de personnes présentes le soir du vernissage) montre bien l'énergie qui circule avec quelques belles pièces ambigues comme je les aime.

Et puis c est sympa car cela m'a également rappelé l ambiance fête foraine, plein de jeunes qui regardent et qui transpirent au milieu de couleurs vives ... ca change des vernissages un peu coincès ...

Ben en concert le 13 Juillet 09 au Passage de Retz, en ouverture de l'exposition "Soudain l'été Fluxus " (jusqu'au 20 septembre)

2009-07-08T12:15:00.008+01:00

Voilà le communiqué de presse de Ben sur cette exposition FLUXUS à Paris, extrêment riche en documents.
C'est Bernard Blistène et Ben qui en sont les organisateurs.
(Photo Courtesy : Christoph Kern)

OUI
Fluxus c'est presque comme la grippe porcine,
en deux ans il est passé de Tallin, à Budapest, de Budapest à Londres à la Serpentine Gallery, de Londres à Zurich au Cabaret Voltaire, et puis c'est la pandémie Fluxus est partout à Tokyo, à Nice, à New York etc il manquait une grande expo à Paris et avec le Passage de Retz c'est chose faite

OUI
"Soudain l'été Fluxus
Pourquoi ce titre ?
parce que ça se passe en été à Paris et qu'en été, là où on croit que sous la chaleur il ne se passe rien, l'été c'est un moment où parfois ça explose
dans les corps et dans les esprits

OUI
L’expo commence par la salle des citations et statments de base des Fluxus et des grands pères : Cage, Duchamp, Satie.

OUI
Vous aussi vous êtes Fluxus quand votre robinet de cuisine fuit,
quand vous éteignez la lumière,
quand la porte claque,
quand vous mettez un vase de fleurs sur un piano

OUI
Il y aura des pièces de la collection de Gino Di Maggio,
de la collection de Bonnotto
de la collection de Caterina Gualco
de ma collection, de celle de Liliane Vincy
de celle de Marcel Fleiss, de celle de Benamou

OUI
Il y aura des oeuvres ou des documents des artistes suivants

A-Yo
Alison Knowles
Marcel Alocco
John Armleder
Michel Asso
Ben Vautier
Ben Patterson
Joseph Beuys
George Brecht
John Cage
Jacques Charlier
Giuseppe Chiari
Dorothy Ianonne
Charles Dreyfus
Jean Dupuy
Robert Erebo
Eric Andersen
Robert Filliou
Henry Flynt
Ken Friedman
Gabor Toth
Jean Claude Guillaumon (Lyon)
Henry Flynt
John Cage
Alan Kaprow
Kosugi
La Monte Young
Jacques Lizène
George Maciunas
Miller Larry
Nam June Paik
Francis Picabia
Ray Johnson
Robin Page
Eric Satie
Tomas Schmit
Serge III
Shieko Shiomi
Takako Saito
Wolf Vostel
Christian Xatrec
Yoko Ono
Le groupe Zaj

Exposition ouverte au public du 14 juillet au 20 septembre 2009

tous les jours sauf le lundi de 10h à 19h

Basel Art Fair 2009 : un bon cru malgré la crise !

2009-06-26T16:42:00.012+01:00

Basel sur son 31 pour son 40 ème anniversaire. La peur de la crise a fait sortir du bois des merveilles, d'où une superbe qualité cette année ! Et les affaires ont trés bien marché, vu le nombre de stands qui refaisaient leur accrochage chaque soir, et les larges sourires de certains ...
Certes Brad (Pitt) est venu pour acheter pour un million de dollars chez David Zwirner, m'a t-on dit, mais surtout l'ensemble des collectionneurs a répondu présent à l'appel de la qualité ... avec des prix très assagis. En effet alors qu'il y a 2 ans un néon de Tracey Emin "You forget to kiss my soul" à la foire de Bruxelles tournait de 200 000 € , là vous pouviez vous en offrir un pour 60 000 € ( "Not so difficult to understand" :o)). Des affaires à faire , je vous dis ! (Sachant qu'à l'instant je vois les résultats de la vente de Sotheby's du 26/06 à Londres où le néon "You forget..." s'est vendu à 57 000€.)
J'ai aussi vu dans la très belle galerie coréenne Kukje des vidéos miniatures de Bill Viola, vendues aussi. Sans parler de la qualité muséale du stand Krugier qui rendait hommage à son fondateur décèdé cette année; on nageait dans les Picasso et Giacometti, vendus aussi.
Et puis il ya avait les stands très poétiques des galeries Podnar (avec les oeuvres de'Alexander Gutke et d'Attila Csôrgö), GB Agency (Mark Geffraud, Robert Breer), Fortes Vilaça (peintures du jeune Jeronimo Elepse), ou ceux très forts comme Lelong (avec Plensa toujours !) ou Contemporary Fine Art Berlin (Daniel Richter, Jonathan Meese).
Après je suis allée me poser le temps d'une conversation et d'une dédicace pour la sortie du livre monographique sur "Paul Theck" avec Robert Wilson (;o) et le grand collectionneur Harald Falckenberg . Puis, le livre de 8 tonnes sous le bras et bravant la pluie torrentielle je me suis enfin rendue à la première baloise d'Il tempo del postino, pièce de théâtre / "Show group" concue et scénographiée par Hans-Ulrich Obrist et Philippe Parreno (et déjà montére à Liverpool) dont l'idée de départ est de proposer à une vingtaine de plasticiens du temps en plus de l'espace. Et sur cette idée très simple s'est monté un spectacle absolument magique et merveilleux, même Bob Wilson, mon voisin, a applaudi à tout rompre ...
Si je vous raconte qu'on a eu le droit à un baisser de rideau qui ondulait dans tous les sens (Liam Gillick ?), qu'il ya avait un duo de bêtes à poils terriblement attachant sur les thèmes de l'amitié, , de la mort (Pierre Huyghe) ; un arbre que l'on sentait d'abord (cela fleurait bon le pin dans la salle) avant de deviner visuellement sa présence , plongée dans l'obscurité comme dans un rêve (Koo Jeong A) ...
des chanteuses japonanaises avec des eventails de lumière qui se sont glissées dans la salle pour chanter parmi nous Madame Butterfly (Anri Sala), une vente aux enchères frénétique sur une musique irlandaise (Doug Aitken) ... vous comprendrez que j'ai aimé !

L'oeuvre la plus érotique de la Biennale de Venise (jusqu'au 22 Nov 2009)

2009-06-14T15:08:00.015+01:00

L'oeuvre la plus érotique de la Biennale de Venise est à l'unanimité de nos 3 voix la Madonne à l'Enfant (1505) de Bellini pour l'Eglise San Zaccaria, où la Vierge caresse la plante du pied de Jésus du bout de ses doigts.
Sinon après quelques jours de décantation, quelles sont les oeuvres qui tiennent en suspension dans ma mémoire (trop petite), surnageant de cette "aqua alta" de la production contemporaine ?
Très difficilement reproductibles dans leur majorité, je les ai gardées avec moi car elles sont à la fois radicales et soustractives.
Dans la ville :
- le pavillon Ukrainien "Steppes of Dreamers" mis en scène par le champion de boxe :o) Wladimir Klitcschko présentant le travail de l'ukrainien Illya Chichikan et du Japonais Mihara Yasuhiro, c'est un parcours où nous devenons les personnages d'un film sensuel et envoutant. Après avoir déchaussé nos chaussures pour fouler le sable versé au bas de l'escalier conduisant aux salles obscures du merveilleux palais Papadopoulo, nous sommes dans une quasi obsurité : les ampoules des lustres de Murano ont été changé, elles sont multicolores comme dans les fêtes foraines, éclairant à peine les moulures angéliques du plafond, et puis entre 2 sculptures assez post - dada, glisse près de nous une fille aux cheveux longs et aux rollers dorés pour disparaitre bientot derrière une porte ou une tenture ...

- le pavillon georgien "Change in Drawing Orchestra " de l'artiste Koka Ramishivi, avec ses vidéos, projetées sur 3 murs en décalé, un dessin au crayon papier en train de se faire, peut-être celui d'une vague et où le son du crayon sur le papier a été condensé dans le temps, ce qui donne à notre oreille l'impression de la mer et de son ressac.

à l'Arsenal :
- la salle des Pistolleto, avec certains de ses miroirs brisés le premier soir à coup de hache, symbolique et sculpturale.
- les faisceaux lumineux tridimensionnels de Lygia Pape.
- la vidéo de Joan Joanas qui transpose la "Divine Comedie" de Dante en images, en créant son langage visuel poétique.

aux Giardini:
- les pavillons danois et d'Europe du nord (Finlande, Norvège et Suède) mis en scène avec humour par Elmgreen§Dragset, transformés en appartement d'habitation privée, avec les oeuvres de plusieurs artistes, comme chez des collectionneurs. Cependant les pièces sont construites autour de l'une fiction à l'intrigue policière; et pour le pavillon nordique le corps flotte à l'entrée dans la piscine ...pour les danois, c'est à une visite de promoteurs immobiliers que nous sommes conviés.
- le pavillon français avec l'installation "le grand Soir" de Claude Lévêque, pour sa radicalité et l'intelligence de la transposition de l'idée dans l'espace du pavillon français . Nous sommes mis en cage (avec un peu de paillettes tout de même ) sans possibilité d'atteindre le drapeau noir, symbole de l'anarchie auquel le titre se réfère. Drôle et peut être cynique (rare chez l'artiste, qui peut-être de ce fait a été assez décrié) surtout quand on y repense après avoir découvert la nouvelle fondation Pinault à la pointe de la Douane.
Certes le bâtiment est absolument extraordinaire et la restauration par Tadao Ando parfaite. Mais impossible de sortir voir la vue sublime en haut du Beveldère, porte fermée, fenêtres à barreau, et gardiens avec pistolet qui viennent vous avertir de l'impossibilité de la chose ..., jusqu'où va t-on pour assurer la sécurité de la sublime marchandise ? Et retour à Foucault et " Surveiller et punir" mais version financière puisque Pinault possède la maison de ventes aux enchères qui va avec ... On préfére le style Peggy Gugghenheim, où tout est ouvert et donne sur un gentil café dans le jardin , et on se rappelle avec nostalgie de son exhubérance, de ses passions et de ses extravagances !

La Force de l'art 02, la triennale de l'art en France, Paris Grand Palais (jusqu'au 1er Juin)

2009-05-21T18:42:00.009+01:00

Ne boudons pas notre plaisir, oui j'ai aimé voir cette exposition avec à l'entrée les reflets colorés de Buren, oui on peut critiquer : pourquoi la galerie Lövenbruck est elle autant présente et représentée, Kader Attia dont j'aime habituellement beaucoup le travail, ne s'est pas foulé pour le coup
... mais au moins la France défend sa scène française, sans complexe, et comme elle a du retard à rattraper en la matière , c'est bien ! Les anglais en effet grâce au tir croisé de Saatchi, de la Tate et son Turner Prize, de l'activisme de la Frieze promeuvent tel un nouveau plan Marshall sles British artists, la Suisse idem , on serait bête de ne pas le faire tant nous avons des artistes de talent et tant ils ont du mal à s'exporter, par exemple Claude Levesque qui représentera la France à la prochaine Biennale de Venise n'a pas encore de grande galerie à l'étranger, on s'interroge ? Et puis c'est également une fête de la différence, une affirmation des parti-pris, car tant la peinture, le dessin, l'installation, la scuplture et la photographie sont présentes, avec une formidable vitalité et pertinence.
Les structures de l'architecte suisse Philippe Rahm aident à la lisibilité de l'ensemble, de même l'aspect monographique de chaque white cube ... Certes j'ai trouvé cela inégal, mais comme dirait la galeriste Claudine Papillon "si tu en découvres ou aimes 2 ou 3, ta soirée est sauvée" , donc ma soirée est sauvée. J'ai aimé le travail d'Anita Molinaro et de sa sculpture monumentale de poubelles rouges brulées et fondues, comme explosées, l'appartement coupé en 2 de Grout/ Mazéas. J'ai retrouvé avec bonheur les dessins grands formats de Frédérique Loutz dont un posé sur du papier peint reprenant les même motifs également élaboré par l'artiste en tandem avec la Rolls des graveurs : Michael Woolworth (je me suis laissé dire que le Frac Picardie était intéressé) et puis les dé-compositions quasi-végétales de Michel Blazy.
Et puis en attendant la prochaine édition dans 3 ans, Marc Olivier Wahler, directeur du Palais de Tokyo, que j'ai interviewé la semaine dernière m'a annoncé une exposition sur le même thème prévu pour l'été 2010 en collaboration avec le Musée d'art Moderne de Paris.

Mon égo , Ben et les autres sur la scène du Cabaret Voltaire ( Zürich 26 Avril 2009)

2009-05-21T13:59:00.014+01:00

Ma première participation à un concert Fluxus. Merci Ben (Le vrai) , Thomas (Le Mousquetaire ), Adrian (Directeur avec Philip du Cabaret Voltaire) , Christoph ( Le photographe) ! et les autres ! = où comment je suis devenue Curator sans le savoir : à découper le pantalon de Ben , à jouer du piano selon une partition de John Cage , à croquer des pommes sur la scène du Cabaret Voltaire à Zurich c'était le 26 avril 2009 et il y avait des spectateurs enthousiastes après un démarrage un peu lent, voilà c'était pour paraphraser Wahrol mon quart d'heure de célebrité et surtout la vie est devenue plus vivante !

Un autre concert est prévu en juillet au passage de Retz à Paris : vous aussi vous pouvez participer et vraiment vous amuser.
D'ici là un peu de matière sur le mouvement Fluxus, dont les piéces de ce concert/ entertainment étaient tirées. ma source est le site de Ben , donc la courtesy lui revient.
( à découvrir car je suis sure que vous n'avez jamais vu de site comme ça) :

Fluxus est le nom d’un groupe créé en 1962 et dont les membres vivent un peu partout dans le monde, plus spécialement au Japon, aux États-Unis et en Europe

Sans John Cage, Marcel Duchamp et Dada, Fluxus n'existerait pas.

Surtout sans Cage de qui j'aime à dire qu'il a opéré deux lavages de cerveau. Le premier, au niveau de la musique contemporaine avec la notion d'indétermination, I'autre au travers de son enseignement avec l'esprit Zen et cette volonté de dépersonnalisation de l'art.

Premier apport

En musique et en théâtre, Fluxus apporte dès 1963 la partici-pation du public à l’action. Non pas une fausse participation, c'est-à-dire la comédie qui continue au milieu du public mais un véritable désir du transfert des responsabilités.

Par exemple, Benjamin Patterson demande à chaque spectateur, discrètement et personnellement : " avez-vous confiance en moi ? " Si le spectateur répond oui, il le place à sa droite. Si le spectateur répond non, il le place à sa gauche.

Deuxième apport

L’Event. Lorsque George Brecht arrive et pose des fleurs sur le piano en tant que proposition musicale, c'est focaliser une réalité simple. C'est, dans l'histoire de l'art, le geste limite de "la vie est art". Mais c'est aussi et surtout, en égalisant l'importance des choses, placer l'artiste futur devant une situation de non retour de non art.

Troisième apport

D'après George Maciunas, un concert Fluxus doit être de la musique contemporaine divertissante. Il trouve que beaucoup trop de musique contemporaine est ennuyeuse, trop dépendante pour le public de la nécessité de références historiques culturelles.

Le divertissement dans Fluxus réagit donc contre la culture. Redonne à l'art sa fonction primaire (divertir) et relègue la connaissance de l'histoire de l'art au second plan.

Quatrième apport

L’art par la correspondance, le Mail Art. A partir de 1963, à la fois Ray Johnson et George Brecht se serviront de la poste pour transmettre leurs idées, leur vécu, par des petits détails de la vie, subtilités, anecdotes, etc.

Le Mail Art est non-art non seulement par le contenu des éléments expédiés mais aussi par le refus qu'il implique de jouer l'artiste de carrière, ceci en évitant de passer par le circuit des galeries d'art, etc.

Josephine Meckseper au Migros Museum , Zürich. (jusqu'au 3 mai 09)

2009-05-11T23:12:00.005+01:00

Première rétrospective en Suisse d'une star allemande de l'art contemporain, vivant à New-York, défendue par Saatchi, l'artiste se plait à démontrer non sans humour notre schizophrénie de citoyen vivant aux prises avec la société de sur-consommation.

Héritière des ready-made et des collages dada, ses vitrines murales exhibent en les mettant sur un même plan des élèments hétérogènes voire conflictuels, comme des affiches ou manuels de propagande révolutionaire, des articles de mode ou de consommation "banale". Dans cette exposition, un film est projeté sur grand écran dans une salle obsure , ce n'est pas un film de cinéma mais plutôt une publicité de voiture, avec un slogan détourné, et une image toute en puissance et... pollution, qui est est aussi mise en scène de manière très "esthétique" rendant toujours attirant l'objet mis en scène malgré sa nuisance.
Ainsi elle ramène finallement sur-consommation , protestation et spectacle au même niveau , même si nous n'avons pas envie de le voir, comme le dit Rancière : avec elle toute réalité se trouve gouvernée par la loi marchande de l'équivalence, même nos révoltes....

Lucie Duval à la Galerie Isabelle Gounod ( Jusqu'au 13 décembre 08)

2008-12-09T20:59:00.008Z

Lucie Duval, artiste québecoise pour la première fois exposée à Paris, choisit de mettre en scène des petits gants blancs sous forme de sculptures-vêtements ou de photographies avec en surimpression des mots ambivalents comme "Manipulation" avec leur traduction en anglais "Processing, Intrigue" . Ces petits gants blans sont ceux des ouvriers textiles chinois, ces millions de petites mains invisibles et souvent féminines. Ici l'artiste leur donne une visibilité, renversant ainsi le process de fabrication habituel. En retour ils nous interrogent sur le rapport de domination toujours d'actualité en notre début XXI ème siècle. Malgré l'éclatante démonstration de ces rapports de pouvoir au service de la séduction, cela reste le travail d'une artiste, sculpteur, photographe choisissant aussi ses mots avec soin et humour pour dénoncer un monde où la finesse et la poésie permettent encore de faire mouche. Exposition rare à la Galerie Isabelle Gounod , à ne pas manquer = se dépécher car elle finit le 13 décembre 2008.

"Head to Head" Musée du design , Zürich (jusqu'au 22.2.2009)

2008-12-02T10:25:00.008Z

Une exposition réjouissante et instructive que celle des affiches portraits d' hommes politiques, pendant leur campagne, ou celles "officielles" après leur élection, accompagnée de l'art populaire qui va de la caricature (dont française ici avec l'atelier Populaire de Paris des années 60) à la boîte de biscuits à l'effigie notamment de Churchill.
Force est de constaster que les affiches les plus graphiques sont souvent celles émanant de l'ex bloc communiste, notamment les russes , pour le choix de leur impeccable typographie et certainement aussi l'impact de la couleur rouge.
Un accent est également mis sur 4 figures assez emblématiques, véritables icônes des temps modernes: Lénine (affiches très efficaces à la typo dépouillée), Che Guevara (en leader charismatique et visionnaire) , Arnold Scharzenegger (posant en Mr Muscle, assez surréaliste pour un oeil français), la premier ministre ukrainienne Yulia Tymoschenko avec ses longues tresses Princesse Leila, dont le portrait figure ,du fait de la ressemblance, à côté de celui d'Evita Perron !
Les choses qui m'ont particulièrement frappé :
- les affiches d'Obama 2008 que je ne savais pas calquées sur celles de Kennedy (cf photos), troublant !
- la série documentaire de portraits réalisés par Herlinde Koelble sur Angélina Merkel depuis 1992, où on voit l'évolution de l'apparence de cette syndicaliste à l'allure que les allemands qualifient " Schlalfzimmerblick" (si l'on traduit litéralement cela donne au style en chambre à coucher, ce qui veut dire pas de style) allait devenir une des femmes les plus puissantes au monde (avec la coiffure et les habits qui vont avec) sans pour autant perdre sa personnalité et se transformer en mannequin Prada !
- souvent les leaders élus, sont ceux qui choisissent la pose "visionnaire charismatique" , c'est-à dire, seul sur l'affiche, avec le portrait en gros plan, se dégagant sur une arriere plan sobre cf Kennedy, Obama, Che Guevarra . Ce qui avait aussi été conseillé à François Miterrand par un certain Jacques Séguèla ... actuellement devenu entremetteur du couple Bruni-Sarkozy ! Tout est dans l'image, on vous dit !

Fiac 2008 (Paris, Grand Palais)

2008-10-26T09:01:00.005Z

Un court billet ce matin sur les oeuvres qui se sont détachées de cette foire pour s'imprimer sur ma pupille, piquer ma curiosité, ou susciter l'envie de les acquérir. Cela dit, je n'ai pas trouvé que les allées du Grand Palais aient changé, au contraire, du fait de l'écartement volontaire par les organisateurs de certains "vieux" du métiers (comme Anne Lahumière ) au profit de plus jeunes sensés avoir des partis pris plus forts. Cela reste à prouver et je ne pense pas que l'âge ait à voir avec la question. Car malhreusement beaucoup ont tendance à sagement entasser, tels des écureuils, pour rentabiliser chaque mètre carré, comme au supermarché. Quand aux prix des oeuvres, la crise ne semble pas les avoir affectés, à voir maintenant si ils trouveront preneurs, surtout face Artcurial, Christies et Sothby's dont les prix en vente ont été largement vus à la baisse lors des ventes pendant la Frieze à Londres...
Pour revenir à la qualité des oeuvres, il y a toujours la possibilité rencontres poètiques, voici ma sélection au Grand Palais :
- un fauteuil "Valet " (1953) en chêne de Hans Wagner à Dansk Mobel Kunst galerie (15 000 €)
- l'installation de Claude Lévêque avec le néon "Ne prends pas froid" (2008) et des lustres en glace qui fondent sur le très beau stand de Kamel Mennour. (trop de monde pour demander le prix exact)
- la femme dans la brouette de l'Alelier Van Lieshout à la galerie de Bob Van Oursow, car comme chacun sait, j'ai toujours un faible pour les brouettes ! (35 000 € quand même !)
- "Aria da Capo" de Javier Perez , couple de squelettes en cristal dansant chez Claudine Papillon (135 000 €).
- la table anamorphose " qui fait mouche" de William Kentridge chez Marion Goodman. (150 000 $)
- un très bel accrochage à la galerie Serge Leborgne avec un petit mur avec les oeuvres de Georges Tony Stoll et un superbe Gloria Friedman" Extasy", 2008, (25 000€) artiste qui expose actuellement au Musée Bourdelle.

Mark Wallinger (jusqu'au 16.11.2008 à la Argagauer Kunsthaus, Suisse)

2008-10-22T17:34:00.011+01:00

Lauréat du Turner Prize en 2007 avec son installation contre la guerre en Irak "State Britain", après avoir contribué à la Biennale de Venise en 2001, Mark Wallinger est l'un des artistes britanniques contemporains les plus connus internationalement. Et cette exposition a lieu dans une petite ville suisse, située à 1/2heure de Zurich, correspondant peut être à la taille de Tours où en dehors d'un charmant centre historique se dresse un merveilleux bâtiment digne du Moma, dont l'extansion est d'ailleurs dessinée par Herzog et de Meuron, parenthèse pour vous dire que c'est aussi cela la Suisse, mine de rien, une ouverture sur l'international avec ce qui se fait de mieux ... L' artiste, utilise tous les médias (dessins, photos, vidéos, sculpture, peinture, installations) pour nous donner à sentir l'arbitraire et l'absurdité des conventions politiques, religieuses ou identitaires. Sans forcer le trait il va droit à l'essentiel, non sans un certain humour très british.
Ainsi dans la salle des "Autoportaits", ce sont des peintures blanches de taille anthropomorphique, surlesquelles sont tracés de différentes manières des "I" noirs, (donc "je " en francais), manière sobre de montrer les différentes facettes d'une personnalité et de s'inscrire dans l'Histoire de l'art des autoportraits de Rembrandt à Tony Smith.
Ou encore sa vidéo "Sleeper" (2H30 , 2004) où l'on voit un homme habillé en ours déambuler dans des salles vides avec des baies vitrées donnant sur une mégapole de nuit. Face à cet ours tantôt fatigué ou désabusé (pieds en dedans, dos vouté), tantôt s'étalant sur le dos à même le sol pour dormir on éprouve une étrange empathie. En fait on apprend que c'est la vidéo de la performance de l'artiste qui a passé, habillé en ours, 10 nuits à la Neue National Galerie à Berlin, et que les passants du fait des baies vitrées pouvait aussi observer. Sa représentation contraste avec l'image de l'ours sauvage et triomphant , symbole de la ville de Berlin. Clin d'oeil également nous rappelant que Berlin fut aussi la capitale des agents secrets, et que "Sleeper" signifie également un agent inactif attendant d'être rappelé.
"The Underworld" (installation vidéo et sono, 2004) : Après avoir parcouru un long corridor sombre, on arrive dans une salle obscure où une vingtaine d'ecrans TV sont posés par terre en cercle mais à l'envers. On voit sur chaque écran un angle différent d'un concert de musique classique , que l'on decouvrira être plus tard le Requiem de Verdi. Car comme chaque écran montre un moment différent, il joue aussi un passage différent d'où cette impression de cacophonie et d'agression également visuelle, renforcée par certains cadrages de gros plans tête en bas de bouches "criant". On est pas loin de la vision de l'Enfer de la Divine Comedie de Dante.

Manifesta 07 , la Biennale Europea di Arte Contemporanea (Bolzano, Trento, Sud Tyrol) jusqu'au 2.11.08

2008-10-16T09:48:00.008+01:00

Un palais, une manufacture de tabac fermée depuis 6 mois mais encore imprégnée de l'odeur, une forteresse au passé difficile, une ancienne usine d'aluminium posent tous la question de "que vont devenir ces lieux, maintenant ?" Dans cette région mouvementée, puisqu'elle appartenait d'abord à l'Allemagne et puis fut annexée par Mussolini pour en faire une région modèle de l'industrie italienne, c'est en tout cas la première fois que ces lieux accueillent de l'art contemporain. Le pari était risqué car vu la "force de caractère" de chacun d'entre eux, ils auraient pu aussi écraser leur contenu. On sent que le choix de cette région pour accueillir cette édition de la Biennale est essentiellement politique. L'art doit il d'abord servir cette fonction ? Si la volonté de résister à un art essentielement marchand est louable, doit on finalement penser l'art uniquement comme un phènomène socia l? car dans les 2 cas politique ou marchand, c'est le groupe qui prévaut. Ne pourrait on pas aussi considérer, comme déjà au temps de Léonard de Vinci, ou plus proche de nous Tony Smith ou Bruce Nauman, que l'homme reste la mesure de toute chose et que pour justement toucher à l'universel il faut d'abord nouer un rapport à l'intime ? Et que parfois ce qui manque dans ces grandes messes, vu leur taille et le niveau intense de stimulation qu'elles engendrent, c'est d'expérimenter de manière concentrée ce rapport au temps et à l'espace. Ce n'est pas le cas ici pour la forteresse et l'usine d'aluminium où justement ce passage de l'intime à l'universel s'opère subtilement.

Dans le cas de la Forteresse Franzenfeste (cf ploto supra) construite en 1830, c'est un projet collaboratif, "Scénarios" qui se concentre sur le son et la vibration. 10 écrivains ont été invités à écrire des textes sur l'idée de la forteresse, son labyrinthe de mémoire, ses bruits de guerre, son or nazi. Ces textes ou ces sons ont été lus ou joués en 3 langues (italien, allemand, anglais) par des poètes, des acteurs et sont situés dans des situations bien particulières. Ainsi on peut passer complétement à côté, ou alors marcher sur les haut parleur recouverts par le sable du sol d'une immense salle, et éprouver la vibration en écoutant le poème " Aquatic Invasion" de Thomas Meinecke" (2008); ou encore s'asseoir sur les chaises "collages " à 3 pieds de Martino Gamper qui pour certaines se mettent aussi à vous parler quand on s'asseoit dessus;
ou encore regarder des films résolument muets, notamment celui boulversant et déstabilisant d'Harun Farocki "Respite" (2007) sur la façon de filmer la déportation et les limites du reportage, ou jouer devant le drôle de diaporama questions/réponses de Michael Snow "So is this" (1982).
Et ces voix ou ces silences en plus de leur charges poétiques, placées dans cet endroit immense vide et sublime, renvoyant curieusement à un univers assez monacal, nous parlent d'abord pour ensuite nous mettre en raisonnance avec une humanité plus vaste.

La collection Migros à Zûrich.

2008-08-16T15:52:00.004+01:00

A l'occasion de son 30 ème anniversaire, le Musée de la fondation des Coopératives Migros (équivalent Monoprix) montre les fleurons de son impressionnante collection d'art contemporain (45O oeuvres acquises). Si Migros décide depuis 1957 d'inscrire le mécénat artistique dans les statuts de sa société et d'y verser un pourcentage de son CA annuel, le musée "fur Gegenwartkunst" s'est installé à Zurich en 1966 dans l'ancien espace Löwenbrau (où sont également installés la Kunsthalle, et autres prestigieuses galeries).
Ici la notion d'art contemporain s'entend comme participation à un processus d'échange avec le public et de production avec les artistes, certaines ouevres ont été le fruit de commande). La collection regroupe actuellement des oeuvres assez monumentales d'artistes mondialement confirmés, comme Robert Ryman, Carl André, Bruce Nauman, j'ai particulièrement retenu les oeuvres de l'atelier Van Lieshout, de Guilo Paolini et d'Ugo Rondinone. Malheureusement je n'ai pu prendre aucune photo c'était interdit (celle ci dessus , loeuvre " If a tree falls in the forest and there is no one around it, does it make sound ?" de Maurizio Cattelan a été reprise sur le net) et le catalogue ne m'a pas vraiment emballé : Nothing is perfect !

Arts Le Havre 2008 (7 au 30 Juin )

2008-06-19T17:51:00.005+01:00

Pour ceux qui ne connaissent pas encore Le Havre, côté architecture c'est totalement construit par Auguste Perret, avec deux "volcans"posés au milieu par Niemeyer. Je voyais ça plutôt triste. Pas du tout. Certes le temps était radieux, et les bâtiments bien propres pour obtenir l'inscription au patrimoine mondial de l'Humanité par l'Unesco. Mais ces partis pris architecturaux ont le mérite de l'audace (pas d'historicisme à la Disney) et de la taille humaine. Les immeubles de Perret ne sont jamais très hauts et possèdent tous de larges ouvertures. Les courbes des volcans de Niemeyer sont le contrepoint de l'orthogonalité et séduisent par leur aspect quasi lunaire.

Pour en revenir à la jeune Biennale d'art contemporain, dont c'est la deuxième édition, mon avis est partagé. Car si j'ai bien aimé les installations d'Anita Molinero (déchets plastiques remplissant des cabines téléphoniques) et les habituelles protubérances rouges à pois blancs de Yayoi Kusama; j'ai trouvé que dans l'ensemble, le parcours urbain était un peu léger voir faible surtout face à une architecture si présente. Pour autant je trouve l'initiative privée du groupe Partouche courageuse (certes ils ont une obligation légale à participer à la vie culturelle de la ville qui acceuille un de leurs casinos), car rien ne les obligeait à être un partenaire aussi contemporain et discret, et à faire oeuvre d'éducation . A noter de plus, qu'aucun fonds public n'est venu compléter leur initiative (à l'inverse de l'Estuaire de Nantes ou de la biennale de Rennes) , et qu'un catalogue a été publié pour l'occasion.

Et surtout l'exposition au Musée Malraux, qui participe également de la biennale, mérite à elle seule le détour. Construit en 1962 sous Malraux donc, le bâtiment est déjà lui même très plaisant avec ses cloisons légères, son espace à la douce luminosité, et la proximité que l'on devine avec la mer. L'exposition est une proposition de l'artiste hollandais Ger Van Elk (dont l'eouvre sera d'ailleurs présentée au MOMA en 2009). Il fait ici le choix de l'intimité, d'une relation quasi amicale en tous cas humaine, avec le public, fuyant ainsi toute notion de gigantisme ou de démonstration. L'artiste se laisse aussi la liberté d'aller piocher dans des oeuvres plus anciennes, puisqu'il remonte jusque dans les annes 1970. Peut être aussi du fait de sa nationalité et de son histoire il déjoue les tics habituels. Bref, avec même de toutes petites choses (comme l'homme sur son clou de Claire Harvey) ou grâce à des signatures plus classiques (Gilbert§ Georges, William Wegman, Penone ...), il étonne notre regard. Et comme le disait si bien R. Barthes "l'étonnement est le commencement timide de la jouissance".
Mes préférées sont (en plus de celles déjà citées ci- dessus) :
- Une salle de belles projections toutes simples de Lili Dujourie, comme des fenêtres ouvrant sur la mer ("Oostende", 1974).
- un arbre bourgeonnant d'idées de René Daniëls ("Lentebloesem", peinture sur toile 1987)
- une création/ expérimentation sonore avec train éléctrique de Nicolas Collins ( "When John Henry was a little baby", date non précisée)
- une peinture à l'huile de l'espagnol Paco Pomet.

Derniers jours pour Valérie Mréjen au Jeu de Paume

2008-06-15T10:53:00.004+01:00

Née en 1969, Valerié Mrejen réalise des vidéos et écrit des recueils de nouvelles, dans un style qui pourrait se situer entre Sempé et Beckett. De Sempé, ce sens du détail, ce regard sur les petits riens de notre vie quotidienne qui ont un faux air plus vrai que nature, la rondeur en moins. Avec ces scénes de rupture, ("Capri" 2008), de travail ("Le projet" 1999), de retour de vacances("Il a fait beau"1999), d'apéritif en tête à tête ("Anne et Manuel" 1998), elle insiste sur le côté à la fois intime et à la fois totalement cliché des situations. On balance entre l'absurde et le comique, c'est finalement assez burlesque au sens de Beckett . Car les personnages filmés sur fond neutre, solliloquent sans jamais réussir à communiquer, avec une grande importance accordé aux silences . Cela pourrait être vous et moi, A ou B. C'est curieusement drôle car ce qu'il y a d'assez étonnant c'est de voir que nous spectateurs, nous rions mais pas forcément en même temps, reprenant en contraposé les légers décalages de l'univers de Valerie Mréjen. A déguster jusqu'au 15 Juin au Jeu de Paume.

Les grandes expos de Beaubourg : Louise Bourgeois , Traces du Sacré et Michel François

2008-05-29T15:12:00.007+01:00

Superbe programmation de Beaubourg ce printemps !

Tout d'abord une superbe rétrospective de "Louise Bourgeois" (jusqu'au 2 juin), petite femme et grand talent trop longtemps boudée par la France (puisque une partie de cette expo a d'abord eu les honneurs de la New Tate il y a maintenant 7 ans) ! Obsessionnelle, encore dérangeante, souvent drôle, poignante. Elle commence par réaliser des totems sur le toit de sa maison américaine qui va devenir son premier espace de liberté/atelier. Elle a suivi son mari aux Etats Unis en 1938 , et se reconstitue son entourage qu'elle a quitté, ses amis, par une forêt de fétiches, avec les "Personnages" elle comble symboliquement leur abscence, par la création de ces formes assez primitives. 60 ans plus tard elle continue toujours de créer pour exorciser . Il y a eu ses "Femmes maisons", matrices mentales représentant à la fois l'enfermement domestique et aussi la liberté face aux conventions, notamment sexuelles. On peut entrer dans ces "corps-espaces ", y marcher . Evidement il y a les "Araignées Amies" (cf photo) , la figure protectrice et adoree de la mère est comme une maison dans laquelle on peut aussi se réfugier. Suit la série de sculptures plus petites, de monstres hybrides, voulant ridiculiser la figure du père "The destruction of the father" (1974), qui a tant fait souffrir l'artiste enfant. Et puis enfin sont exposés les dessins de ces dernières années, car à 98 ans, elle continue d'exorciser, la filiation, la souffrance mais de manière plus légère, même si toujours aussi radicale . Elle qui dit la nécessite de rompre ou d'accepter le passé : " Il faut abandonner son passé tous les jours, ou bien l'accepter, et si on n'y arrive pas on devient sculpteur".

"Traces du sacré" (jusqu'au 11 août), exposition touffue si il en est , puisque ce sont plus de 300 oeuvres qui sont exposées. A priori je suis réfractaire à ce genre de profusion, ainsi qu'à l'expression de groupe d'un certain mysticisme. Pourtant force est de constater que cette exposition est à la fois enrichissante car surprenante. Ainsi si on savait qu'un Klee ou un Kandinski étaient à la recherche d'une forme de sacré, l'un avec la cosmologie l'autre avec la musique, c'est franchement déroutant de voir un triptyque de Mondrian figurant des femmes nues, sensées symboliser la mystique et la vie. Superbe salle sur la danse, avec des vidéos d'archives rares datant du tout début du siècle, de superbes dessins de Picasso , de Masson ou de Jamie Cameron, ou encore une photo où l'on voit le très sérieux historien d'art Aby Walbourg coiffé d'un masque rituel mexicain, que l'on nous raconte aimer danser et rentrer en transe. Suivent un quasi-invisible Buraglio en face d'un Beuys imprévisible, volutes et calumets de la paix pour finir le parcours avec Yazid Oulab. Il faut bien constater que cette partie "sacrée" du travail des artistes , souvent cachée, car parfois maladroite ou tabou, apporte la puissance et la radicalité à la part mise en lumière. Force est également de reconnaître que tous ces plasticiens qui cherchent en dehors du rationnel et du visible, à réinvinter une transcendance alors que le siècle dernier a tué Dieu, que les guerres de celui ci ont tué l'homme et mis à mal la notion d'humanité, c'est très réconfortant !

Enfin , le cinéma de Beaubourg a invité Michel François, plasticien belge, à présenter ses vidéos et à expliquer comment elles s'insèrent dans son travail ... 2 heures de pur bonheur. Pour les chanceux qui pourront y aller, cet artiste sera Présent à Unlimited à la foire de Bâle la semaine prochaine.

The Sartorialist à la Villa de Noailles (Hyères)

2008-05-21T17:35:00.011+01:00

En revenant à la Villa de Noailles, j'ai trouvé que cette année la programmation était de meilleure qualité, comme réveillée près une période d'engourdissement.
En effet quoi de mieux pour nous allécher que d'obtenir que "The Sartorialist" choississe la Villa pour exposer pour la première fois en France les photos de son cultissime blog.
Au début en 2005, 2 personnes échangaient des vues sur la courbure d'une moustache, en Mars 2006, 19 personnes discutent sur le bienfondé des boutons d'un cardigan, aujourd'hui ce sont 50 000 personnes par jour qui sont des adeptes de ses posts.
Ce sont des photos d'un non professionnel de la photo (même si très pro de la mode puisqu'il a travaillé pour Bergdorf Goodman, et Kashiyama, excusez du peu) mais qui a le chic de dénicher l'homme et la femme de la rue qui ont de l'allure. Les cadrages sont donc simples, toujours les mêmes : la silhouette en pied, de face, laissant voir la ville autour, New York essentiellement , mais pas uniquement puisqu'il a aussi photographié à Milan, Paris ou New Dehli. Le résultat est frais comme un Cosmopolitan !
PS : Sartorialist , car " le sartor" en latin c'est le tailleur .
Pour en voir davantage, aller sur son fameux blog là.

ArtBrussels et air bruxellois.....

2008-04-24T21:23:00.009+01:00

Bon je n'arrive pas à tout faire en ce moment ....notamment à écrire le billet sur le salon du Dessin contemporain ... mais je tenais à vous faire partager un peu d'air bruxellois, car cette foire est une de mes préférées par la taille, pas trop grande et très lisible, par la convivialité, la qualité et la note d'humour de ce qui est présenté , bref c'est bien gai comme diraient nos amis belges...*

Vous connaissez mon faible pour les néons, et celui pensé par Tracey Emin "You forget to kiss my soul" me ravit. Certes à 100 000 €, on a refusé de me l'offrir, je ne comprends pas pourquoi ....Il y aussi celui magnifique rouge de Claude Levesque à la galerie Kammel Mennour, beau et si poétique ... d'ailleurs si vous ne le saviez pas encore, cet immense artiste est choisi pour représenter la France à la prochaine Biennale de Venise.
Vous avez une oeuvre pleine d'humour intitulée "Mondrian qui prend le train" à la galerie Claudine Papillon (cf photo supra).
J'aime toujours beaucoup ce qui est présenté par le D§L Lab galerie belge de design qui édite des petites séries d'objets dessinés par des artistes comme une jolie lampe de Michel François, ou encore un tapis par Pierre Bismuth.

N'hésitez pas à faire une escapade à Bruxelles, les galeries poussent comme des champignons que les chefs belges cuisinent d'ailleurs fort bien au "Café des spores" morilles, brunets accompagnés par une cave de vins totalement recommandable ...un sympatique endroit pour se requinquer.
Profitez en pour aller découvrir la toute jeune galerie Meessendeclercq qui ouvre avec comme première expo : "Absens" ;o)) avec notamment Hreinn Fridfinnssn et Claudio Parmiggiani.
Sinon la très belle librairie St Hubert dans la Galerie du roi a invité Michael Woolworth à exposer ses dernières lithogravures : Corpet, Desgranchamps, Tatah , Pencréach et Loutz qui a réalisé une belle vitrine dont elle a le secret ...

Nouveau centre d'art / Betonsalon Paris XIII ème.

2008-04-13T10:49:00.005+01:00

Ouvert cet automne, en partenariat avec la ville de Paris et l'université de Paris 7, le centre d'art Bétonsalon comme finalement son nom l'indique, est un lieu au milieu des dalles de béton du XIIIeme arrond., où s'échangent les idées, où sont montées des expos, où des performances sont données. Et ce mercredi c'était Dominique Gilliot, jeune artiste à l'allure androgyne, inclassable et totalement drôle, avec une performance entre écriture et mise à distance par écran d'ordinateur projeté, (où l'on assiste en direct aux ratages et gommages de l'écriture ), entre musique décalée et show arty .... voilà c'était frais, surtout que je m'y suis rendue un peu par hasard, invitée par des amis, après le vernissage du salon du dessin contemporain lui situé dans hôtel particulier derrière l'église St Augustin . Et nous nous sommes dit avec Tobias (the New Yorkais) et Martine (la Parisienne) que Paris était décidemment une ville pleine de ressources, à nulle autre pareille :o)
Pour voir le programme de Bétonsalon, qui donne également des cours pour apprendre à être invisible, aller sur leur site ici.

ArtParis (Grand palais jusqu'au 7 avril 08)

2008-04-05T10:35:00.019+01:00

Beaucoup de monde dans les allées mercredi, jour du vernissage, indépendamment de Mme Albanel, venue annoncer son projet de loi relatif au prêt à taux 0 pour l'achat d'oeuvres d'artistes contemporains. Peut être venait elle aussi savourer sa victoire face à Mr Benamou, puisqu'elle est toujours Ministre de la Culture et que lui pour le poste de directeur à la Villa Médicis c'est pas gagné ! :o)
On a beau dire, le Grand Palais reste un bel écrin, surtout par ciel bleu; et puis les collectionneurs, vu le nombre de ventes, notamment sur certains stands semblent suivre si la qualité des oeuvres est au rendez vous. La tendance qui se dégage est plus à un certain classicisme et fait la part belle à l'art moderne et à la peinture figurative.

A noter que les artistes invités cette année, étaient ceux du Moyen Orient rapportà ArtParis Abou Dabi. J'y ai découvert les "Algorythmes" de Nihar Esber, plusieurs écrans vidéos très ludiques avec des individus qui tournent comme des boules de billard et "Smoke, Beyrouth, Smoke" découpages fragiles de Lamia Ziade.

Sinon en vrac quelques oeuvres que j'aurais bien aimé emporter sous le bras et dont certaines se sont d'ailleurs échangées dès le premier après-midi :
- les collages couleurs kraft de Pierrette Bloch (Galerie Lucie Weill § Seligman)

- le tondo de Shirley Jafre cf photo supra (Galerie Nathalie Obadia)

- les photos de New York sous la neige de Saul Leiter pour les offrir à Martine (Galerie Camera Obscura)

- le carré jaune d'affiches lacérées de Raymond Hains et les bouts de tissus de Deschamps (Galerie Christophe Gaillard)

- les assemblages élégants de Pierre Buraglio (Catherine Putman). Présentés en ce moment également à la Galerie Jean Fournier et Marwan Hoss.
Voilà après la petite troupe est partie avenue Montaigne voir les oeuvres proposées chez Artcurial et Cornette de St Cyr dans les ventes du week -end. Bien mais pas de coup de coeur en ce qui me concerne.

Chloé Julien, un avant goût du Salon du Dessin Contemporain.

2008-03-31T18:56:00.008+01:00

Voici une jeune artiste que l'on a envie d'encourager : ses aquarelles entre test de Rorschach et cauchemars dilués sont mystérieux à souhait . Souvent on a l'impression que dans ces personnages asymétriques et/ou tronqués , l'autre, la moitié est polluée ou mutante. Quelles histoires racontent tils ?

Très accessibles puisque les encres sont autour de 600 €, parions que Chloé Julien rencontrera un vif succés au Salon du dessin contemporain ( 10 - 14 avril 2008) sur le stand de la galerie Sara Guedj. Sinon vous pourrez la découvrir dans cette galerie jusqu'au 17 Mai.

Voici une première photo de piètre qualité en attendant que la galerie m'en envoie une meilleure ...

Why Design ? Où Starck est franchement drôle...

2008-03-20T21:47:00.005Z

Cabotin ? Visionnaire ? Communiquant de génie même en franglais ? A vous de me dire ;o)

Pour voir la vidéo il faut appuyer ici !

Special Thanks to Michel ;o)

Jérémy Liron "Hotel de la Mer" (Galerie Isabelle Gounod jusqu'au 3 mai )

2008-03-16T11:37:00.016Z

Vous connaissez certainement le blog poétique de Jérémy ,Les Pas Perdus, là c'est son travail de plasticien qui est exposé.

"Hotel de la Mer" est une série de peintures à l'huile placées sous plexi, d'architectures balnéaires, mais aussi une architecture de bandes et de vide, une vidéo en N/B d'un payasage urbain comme défilant à travers la vitre d'un train et puis une petite sculpture de plâtre et bois d'un bâteau de rivière.
De par la fluidité de la peinture, de ces fines traces de bombe acrylique, de ces tableaux carrés à la construction quasi abstraite, on a immédiatement la sensation que quelque chose nous échappe. Et le thème du voyage, de l'errance, de la solitude, du bleu, me font penser à Ulysse et à Georges Didi Uberman qui s'appuyant justement sur un passage de l'Ulysse de Joyce parle ainsi de notre faculté de perception : "Mais la modalité du visible devient inéluctable, c'est à dire vouée à une question d'être - quand voir c'est sentir que quelque chose inéluctablement nous échappe, autrement dit : quand voir, c'est perdre, tout est là."

En plus de références à l'art à travers Godard ou Sean Scully, Jérémy Liron nous renvoie également à notre position de regardeur. Car ses paysages sans personnages, sans anecdotes sont un espace de projection idéal pour le mental du spectateur qui se confronte ainsi au reflet. Peut être un peu comme dans une posture de méditation où l'on fixe une flamme avant de fermer les paupières pour se concentrer sur son reflet et ainsi "se laver les yeux" .

Il y aurait encore beaucoup à dire sur le travail de grand talent de Jérémy, ancien éléve de Bustamante aux Beaux Arts, mais je laisse le soin à Stéphane, et les autres de le faire ...

Bref à voir absolument à la Galerie Isabelle Gounod, jusqu'au 3 Mai 2008.

Grand Pianoramax au Divan du Monde

2008-03-14T14:30:00.007Z

Fa-bu-leux concert donné hier au Divan du Monde à l'occasion de la sortie du dernier CD de Grand Pianoramax, "The biggest Piano in town."

Léo Tardin, mon ami génevois exilé à New York, est très modeste car j'avais beau le trouver génial, il m'avait pas dit qu'il avait aussi été premier prix en piano solo au festival de Jazz Montreux. Faut dire que je suis un peu nulle aussi :o) il allait pas étaler comme ça ses distinctions. :o)

Cela dit c'est pas pour ça que j'ai tant aimé, et Manue aussi. On en est sortie avec un intense sentiment de jubilation et un horizon élargi !
En plus de son talent de pianiste jazz, de ses 4 claviers vintage surlesquels il joue en concert, il a le don de s'entourer de voix renversantes : Mike Ladd (la classe !) ou encore Celanna Glenn (que j'adoorrre aussi) et Spleen (top). C'est du jazz c'est du slam, du rap, plein d'energie vitale, farouche et doux à la fois. A la batterie c'était aussi en finesse. Là ils sont repartis en tournée, Suisse, Berlin, puis retour NY. (le programme est sur son site cf supra)
Vivement qu'ils reviennent en attendant on peut écouter le disque, ou un morceau là pour ceux qui ont eu tort de ne pas venir ... je ne citerai personne :o)

Trop hype !

Nouveau lieu à Paris pour la galerie Trafic

2008-03-14T08:20:00.010Z

Comme le disait Anne, le carton PAS/SAGE pour le vernissage de ce nouveau lieu (13 cité de l'Ameublement dans le 11 ème) est déjà une invitation pleine d'humour. Je ne suis pas décue à l'arrivée. D'abord par l'accueil chaleureux du passionné qu'est Dominique Marchais. Passionné et devançant les modes, il a été un des tous premiers à collectionner Matthieu Mercier et Stéphane Pencreac'h. Ensuite le choix des artistes, qui fait la part belle à la peinture figurative, l'encre, la céramique, dont mes préférès sont :

- Vincent Bizien et ses encres (cf photo gauche), pour un beau format compter environ 3500 €.
- Michel Gouery (cf photo droite) et ses personnages en céramique , emboités, drôles et mystérieux.
- Tim Ernst, berlinois et benjamin de la galerie ( environ 900 € pour un dessin).
On est donc déçu de ne pas le retrouver au Salon du dessin contemporain qui ouvre ses portes du 9 au 14 Avril. Pendant cette période , la galerie choisit d'aillleurs de montrer ses oeuvres sur papier.
A noter également l'effort sur l'édition de beaux catalogues d'artistes, ce qui est rare et mérite donc d'être signalé. Trafic c'est un chouette endroit pour ceux qui aiment la figuration, en plus avec des gens sympas ! N'hésitez pas y passer !

Elsa Sahal (Fondation Ricard jusqu'au 5 Avril 08)

2008-03-12T09:28:00.011Z

En regardant les céramiques pour la plupart produites avec la Manufacture de Sévres, Elsa Sahal nous donne à sentir l'énergie dont a besoin une forme pour s'extraire de la masse et s' élancer vers le haut ("Nu Randonnant", 2007 et toute la série de "Rebord", 2007.) Beuys disait " Une forme est comme une idée, l'antiforme elle est une energie". Loin de la facilité d'artistes qui utilisent la céramique pour rejouer Alice aux pays des Merveilles, ici ce sont des formes corporelles crues, non sans rappeler le "Janus Fleuri "de Louise Bourgeois, ou certains Brancusi. Les appendices se dressent, d'autres bourgeonnent, certains s'emboitent. Avec les piéces de Sévres, et leurs couleurs verdâtres, on ressent une texture , à l'instar du marbre ou du bronze, à la fois proche de l'organique, ou de la lave, qui parlent à l'oeil et au toucher non de l'extériorité du corps mais de ses parties plus intimes. Le corps est en nous comme le sont les normes.
Du fait des couleurs pastels, noires, rouges et du vernis, l'artiste favorise une distanciation du corps au réel; elle le trouble, elle travestit les codes , non sans humour, pour mieux fonder son propre espace esthéthique. Bienvenue dans le monde des étranges créatures d'Elsa Sahal que le parcours de cette exposition à la Fondation Ricard rend fluide et choisi ! Ne pas manquer les oeuvres de cette jeune artiste diplômée des Beaux Arts dont les prix pour des pièces uniques de Sévres restent raisonnables. (Photos Courtesy Galerie Claudine Papillon)

Réunion de blogeurs : à quoi ca ressemble ?

2008-03-08T07:53:00.014Z

Voilà j'ai enfin vu les têtes qui se cachaient derrière les blogs que j'ai plaisir à lire ou que je ne connaissais pas encore.Et ca fait du bien de voir que même si la plupart sont aussi des geeks, ils commandent des entrecôtes frites , parlent de la Villa Savoye du Corbusier, boivent de la bière en parlant des plats préférés de leur rocker favori, vont se geler pour avaler quelques taffs, disent des bétises, sourient , et donnent des conseils à la nouvelle venue que je suis. Bref moi ca m'a bien plu , je reviendrai :o)

Certes ils sont plutôt bac +5, et l'oeil vif ... alors ca parle beaucoup nouvelles techno, politique (mais vu les échéances, normal ?), faits de sociétés (vu par un flic et un avocat notamment) musique contemporaine , jazz, rock , ils m'ont aussi recommandé si je voulais faire de l'audience que la tarte à la crème :bite, sexe Sarkozy, Web2.0, Carla, ...était une recette qui marchait toujours .... donc finalement rien de nouveau ;o). ah si leurs blogs si vous ne les connaissez pas déjà car pour la plupart ce sont des stars , choississez les votres :o):

-http://labosonic.viabloga.com/

- http://palpatine42.free.fr/

- http://blog.scarole.net/
- http://embruns.net/
- http://maitre-eolas.fr/

- http://police.etc.over-blog.net/

- http://mots-ments-vol-s.over-blog.com/

- http://griffonnages.net/

- http://dirtydenys.net/

-http://vicnent.info/blog

- http://www.gabywald.over-blog.com/

Cellar Door : Loris Gréaud , Jérome Kerviel de l'art contemporain ?

2008-03-02T11:15:00.008Z

L'exposition "Cellar Door"(14 février-27 avril 2008) au Palais de Tokyo, se revendique comme "un organisme généré par une partition distandue dans l'espace et le temps". Tiens ca me rappelle d'autres mécanismes, plus financiers ceux-la ;o) L'artiste, Loris Gréaud, déclare vouloir réaliser via un studio de production pluridiscliplinaire, des projets utopiques. Et pour un projet u-topique, d'obtenir les 4000 M2 du Palais de Tokyo, on se dit que l'artiste a de l'humour et raison de rêver. Et nous aussi , on attend avec les yeux qui brillent.

Et puis, reconnaissons lui cet immense talent, réussir à 29 ans à convaincre tous ces adultes pluridisciplinaires pour avoir ce budget pharaonique à l'origine pour fabriquer des nuages.... Finalement cela s'est révélé trop compliqué;o) alors ce sont des architectures courant d'air (en lumière), des vidéos invisibles (puisque la vidéo ne se met en marche quand la salle est vide) des bonbons au goût d'illusion ( sans saveur mais quand même vendus 2 € le sachet, tout se paye). Et se surprend on à songer, pourquoi pas des actions de la Société Générale ?

Notre époque toujours à la recherche de la nouvelle star, s'est donc trouvée un nouveau Jérôme Kerviel de l'art contemporain ... Le premier tome avait bien marché dans les média.

Jeune, malin, rompu aux subtils mécanismes de la l'art contemporain, pour mieux le flibuster par la suite ... mais Ces Robin des Bois des temps modernes n'ont que du vent à redistribuer à leurs actionnaires ou visiteurs. Certes avec beaucoup de charme et de talent . A moins que cela ne soit du rêve ? Evidemment comment un Marc Olivier Wahler, un Yvon Lambert ou un Mr Bouton, tels les savants fous dans leur caves, pourraient il débrancher la machine qu'ils ont eux même huilée, encensée ?

Trop d'intérets en jeu ? Avant pour faire rêver, poil à gratter, ou scandaliser; ca coutait moins cher. L'avantage c'était le droit à l'erreur et son corollaire le droit de recommencer mais parions que vu le succès médiatique et le nombre de visiteurs le spectacle recommencera !

Quoi de neuf dans la vidéo/film d'artistes ?

2008-02-27T17:44:00.007Z

Après quelques déboires informatiques, me revoici sur les prompteurs ;;;mais c'est pas grâce à l'efficacité du sav Dell, plus d'un mois pour réparer mon ordinateur contre 5 jours prévu au contrat ! Bref !

Deux magnifiques expositions à découvrir autour du thème de l'identité et de la violence identitaire mais construits dans des univers émotionnels et oniriques très forts. Il s'agit de la rétrospective de l'artiste finlandaise Aija Lisa Ahtila au Jeu de Paume (petite photo) jusqu'au 30 Mars et des derniers films de l'iranienne Shirin Neshat à la galerie Jérôme de Noirmont. (grande photo)

Ahtila définit ses oeuvres comme des "drames humains" , livrés sans jugement de valeurs, mais dans leur enchaînement déconcertant. Avec des histoires assez intimes elle arrive pourtant à toucher à l'universel . Ses mises en scène sont très sophistiquées, souvent avec de grands écrans multiples, sur les différents murs de la pièce , que notre regard ne peut justement appréhender en même temps : quelque chose nous échappe. Ainsi elle nous donne à sentir les différents niveaux d' intérprétations d'une histoire, refusant ainsi une linéarité ou une vérité. Mes films préférés :
- "Where is Where", 2008, installation HD 6 écrans. 2 enfants algériens décident de tuer un de de leur camarade français en réaction à des atrocités commises par des adultes français qui décimèrent la population masculine algérienne d'un village. Boulversant et encore terriblement d'actualité.
- "The hour of prayer", 2005, installation DVD, 4 écrans.

Derrière la mort du chien de l'artiste, c'est le thème de la mort d'un proche et du deuil qui est ici abordée. Cela se déroule entre les neiges de Central Park et le Bénin avec ses coqs. C'est très sensible, juste et réconfortant à sa manière. A voir et ecouter 2 fois au moins.

Shirin Neshat à la Galerie de Noirmont
Depuis 2003, le travail de Shirin Neshat s'inspire du roman "Women without Men" de l'iranienne Shahrnush Parsipier, qui entrecroise la vie de 5 femmes iraniennes à Téhéran pendant le coup d'état de1953 lancé par la CIA pour réinstaller la famille du Shah. Ls 2 nouvelles vidéos, créees en 2008, pour cette exposition s'intitulent "Munis" et "Faezh". La première est une femme qui "vole " au secours d'un activiste qui meurt devant elle. Tout 2 sont allongés côte à côte, couple improbable et apaisé que la mort ne semble pas séparer.

La seconde est une jeune femme très perturbée (a t elle été violée ?) qui est hantée par des visions de femme voilée dans la fôret ...là encore le récit n'est pas linéaire, c'est un feuilletage entre moments de vie et échappées oniriques.

Enfin au rdch, des portraits photos représentant des hommes et des femmes iraniens dans les annes 50s, rehaussés de calligraphie Farsi, certains semblant juste sortis des films.

Eros , Thanatos et les autres dans les galeries du Marais

2008-01-16T18:35:00.000Z

Quoi de neuf en ce début 2008 ? J'ai commencé par le Marais même si toutes les galeries n'étaient pas encore ouvertes :
- Patrick Guns chez Polaris (jusqu'au 23 février 08)
Avouez que s'appeler Guns et photographier des condamnés à mort , cela ne s'invente pas.
"My last meals" sont les derniers plats souhaités par des condamnés à mort américains. L'artiste a demandé à des chefs étoilés de les réaliser à titre posthume puis il a photographié le chef , le plat et l'intitulé. C'est avec le cartel de la photo que l'on comprend car figurent le nom et la date d'éxécution du condamné; le nom du chef et la date d'exéxution du plat. (Sur la photo ci dessus : Paul Kretutzer, Missouri, 10 Avril 2002 / Guy Martin, Paris 20 Novembre 2007) No comment ! Cela fait froid dans le dos ! Il faut d'ailleurs savoir que l'administration pénitencière ne leur sert pas toujours ce qu'ils ont demandé. Si il n'ya pas les ingrédients en cuisine, on apporte ce qui s'en approche le plus, ainsi un condamné avait demandé du homard ,dans la vraie vie il a eu du cabillaud avec de la sauce nantua. A noter que les chefs ont tous jeté le repas après la photographie, et que personne n'a eu le mauvais goût de déguster ... Par contre certains chefs auraient refusé par souci de leur image.
- "Park Portraits" Rineka Dijkstra chez Marion Goodman (jusqu'au 19 janvier 2008) Ancienne élève de Gerrit Rietveld, l'artiste hollandaise photographie des écoliers et des alolescents dans des parcs en Europe, en Chine et aux Etats -Unis. Une vision frontale de la jeunesse, avec ses rites de passage, souvent sérieuse parfois sombre, qui contraste avec un payasage bucolique plein de candeur. A ne pas manquer.
- Tom Wesselmann chez JGM ( jusqu'au 26 Janvier 2008)
Puisque vous êtes en face, allez voir les dessins de l'artiste, notamment "Rosemary with Socks" (1991), ses femmes aux contours elliptiques sont toujours fascinantes. (cf photo ci dessus)
- Michel Boulanger à la galerie Bernard Bouche. (jusqu'au 22 février 2008)
Un vieux de la vieille, serait on tenté de dire, à l'inverse des piéces monumentales et tape à l'oeil, il dessine et écrit une oeuvre qui ouvre un chemin vers la méditation. En plus c'est à tout point de vue très accessible !

Passage du Temps, Collection Pinault au Tri Postal (Lille)

2008-01-12T10:24:00.000Z

Commencer 2008 avec "Passage du Temps", c'est pas pire comme diraient nos amis québequois ! Alors j'en profite pour vous souhaiter une très belle année 2008 riche de découvertes et de rencontres ! Pour en revenir à cette exposition, une partie de l'énorme collection François Pinault est montrée dans ce bel espace industriel reconverti, avec un accent mis sur la photo, la vidéo et les jeux de lumière. J'y allais pour voir notamment l'oeuvre de Bill Viola. Car si certains ne le savent pas encore, j'adore Bill Viola et j'avais choisi son travail comme sujet de mémoire à la Sorbonne, dans mon jeune temps. Et là, j'avoue que son installation " Going Forth by day " (2002) m'a un peu décue, je l'ai trouvé un peu trop explicitement mystique et moins mystérieuse par rapport à ses anciennes oeuvres comme "Stations" (1988) ou bien encore sa récente et splendide scénographie vidéo de Tristan et Yseult à l'Opéra Bastille (2006/07). Je suis un peu restée sur ma faim concernant Bruce Naumann, car si la projection vidéo de son atelier vide où rien ne se passe, est rarement montrée, elle m'ennuie. Et même si je sais que l'artiste a fait exprés de provoquer cette frustation, je pense que cette pièce est insuffisante à elle seule à montrer son génie. Surtout si je compare à une autre collection celle de Friedrich Christian Flick montrée à Berlin à la Hamburger Banhof (merveilleux espace là encore !) , où plusieurs pièces magistrales sont exposées "Four pair of heads" ou les vidéos "Lip Sync" " Corridor Installation" .... Mais c'est vrai que je trouve que c'est mieux quand l'ensemble des médias qu'il utilise pour ses oeuvres ( vidéos, néons, cire, dessins ...) est montré, et que là cela aurait été hors sujet. Peut être y a til d'autres Naumann de la collection Pinault à découvrir au Palais Grazzi ?
En revanche, j'ai beaucoup apprécié :
- l'installation de Dan Flavin "Untitled" ( To Saskia, Sixtina, Thordis), corridor de néons multicolores aux reflets mélangés.
- L'ensemble de Shirin Neshrat : photos et vidéos noir et blanc de ces femmes iraniennes voilées et muettes qui sortent d'une forteresse sous le regards des hommes, pour aller pousser une barque vers la mer .
- les oeuvres de Gilbert & George , notamment l'étonnante photo "Drinking sculpture " (1974) et "Cry" (1984) , reprise comme affiche pour l'exposition d'ailleurs.
J'y ai découvert le travail du français Anri Sala (ancien élève à Tourcoing d'aillleurs), notamment avec sa poètique et poignante vidéo temoignage de personnes en marge "Nocturnes" (1999). J'ai retenu aussi le "bureau augmenté "de Michel François, précise accumulation d'inutilités fonctionnelles, ca donne un résultat très drôle et plastiquement beau.
Et puis les vidéos d'Adel Abdessemed, notamment celles qui ponctuent le parcours où des chats errants berlinois lappent goulument un providentiel bol de lait : "Happiness in Mitte " (2003).
Au final, contente d'être venue , j'ai trouvé le parcours beau et fluide même si je regrette l'abscence de plus d'artistes français avec par exemple les vidéos de Frédéric Lecomte, ou celles de Stephen Dean.

Paris Photo (Carroussel du Louvre (15-18 nov 07)

2007-11-18T13:32:00.000Z

Poour cette édition 2007, la photographie italienne est à l'honneur, notamment le vintage. Et c'est un parcours délicieux avec des photos entre nostalgie et alégresse, beauté et simplicité. Sinon quelques classiques que qu'on ne se lasse pas de revoir. A noter que l'on peut commencer à se faire plaisir à partir de 500 € et avoir de belles acquisitions autour de 3000 €, après pour de l'exceptionnel comme un tirage d'époque d'Irving Penn il faut compter dans les 50 000 €.
- photo 1 : Arno Rafael Minkinnen "Self Portrait", 1990.
- photo 2 : Irving Penn, 1984.
-photo 3 : Massimo Siragusa
- photo 4 : Gabriele Basilico "Milano ritratti di Fabbriche (1978-1980)
- photo 5 : Mario Giacomelli "Caroline Branson" 1981.

Fiac 2007 (Grand Palais)

2007-10-24T15:29:00.000+01:00

Que dire de cette Fiac 2007 ? De bonne facture (sans mauvais jeu de mot ;o), même si au global peu d'enthousiasme ébouriffant, de coup de coeur dévastateur, une cuvée assez couette/plumes/oreiller ! A noter que les anglosaxons, eux, ont a-do-ré, rapport à la Frieze décévante cette année. Et que finalement la satisfaction et le retour d'acheteurs étrangers est déjà une excellente chose.
le Grand Palais reste à mon avis le plus élegant, même si cela peut facilement vous en couter les 2 bras; voici avec un peu de recul, ce que j'en ai retenu :
- le fauteuil de Ron Arad, galerie Dowtown, édité à 30 exemplaires. (110 000 €). photo n°4.
- une superbe peinture /carré noir de Martin Barré chez Nathalie Obadia, ( 110 000 €)
- le chien en nouille chinoise rose de Michel Blazy, galerie Art Concept (10 000 €, car il pourrit avec le temps, mais vous avez le kit pour le refaire :o) photo n°5.
- un dessin de Tatiana trouvé, lauréate du Prix Marcel Duchamp 2007, chez Perrotin . (8 000 €)
- une sculpture de Michel François chez Carlier et Gebauer (110 000 €). photo N°2
- les aquarelles de Hans Op de Beek chez Xavier Hufkens. photo n°1
- une peinture de Miachel Landy chez Thomas Dane (37 000 €). photo n°3.
- une sculpture de Javier Perez chez Claudine Papillon (45 000 €)

Après ce premier tour de chauffe, je suis donc partie en quête d'oeuvres plus accessibles sur les autres salons satellites. A suivre dans mon prochain billet.

Fiac / Sculptures au Jardin des tuileries (jusqu'au 22 octobre)

2007-10-21T07:34:00.000+01:00

En attendant plus de commentaires sur cette édition de la FIAC, quelques photos pour vous donner envie d'aller vous promener aux jardins des Tuileries, entre la vingtaine de sculptures installées pendant la FIAC dont celles de Claude Lévêque, de Miguel Barcelo etc ...

Courbet au Grand Palais (Jusqu'au 28 janv 2008)

2007-10-14T21:37:00.000+01:00

Courbet, l'artiste le plus connu de son époque, nous répète-t-on. A mon sens, davantage par son goût de la provocation, que par son talent indéniable mais loin de le placer comme le plus grand artiste du XIX ème siècle. Certes, le personnage est fascinant surtout par l'évolution qu'il va apporter au statut d'artiste. Il choisira lui même ses sujets, refusant par là le diktat de l'Académie et sa hierarchie des genres. A la peinture historique, il préférera les autoportraits, les portraits de gens de sa Franche Comté natale, les corps de femmes, les paysages ou les natures mortes. Une fois , certaines de ses peintures seront refusées au Salon. Il en profitera pour organiser une des premières expositions personnelles à entrée payante, plaçant ainsi l'artiste au centre du système, comme il le peint d'ailleurs dans "L'atelier du peintre". Ainsi il jouera du scandale pour se faire connaître, précédant ainsi une longue lignée d'artistes de Duchamp à Buren. Pour autant ses toiles m'apparaissent inégales. Le mouvement ne semble pas être son élément : dans les scénes de chasse, les cerfs courent bizzarement les quatre pattes en l'air, les mers se déchaînent sur un horizon curieusement rectiligne, avec des nuages empatés bien loin de ceux de Turner.
En revanche quand il s'agit de matière "sensuelle" , de portraits , de natures mortes, de femmes alanguies, de paysages calmes; alors il est dans son talent donnant " à sentir la chair" comme il se plaisait à le revendiquer. Evidemment on contemplera "L'origine du monde". Elle est présentée ici pour la première fois avec les 2 caches derrière Lacan la plaçait dans son cabinet ; il s'agit d'un paysage bien sage et d'un dessin de Masson reprenant de manière elliptique les contours de l'original de Courbet. A noter aussi les belles photographies, contemporaines de l'artiste qui l'ont probablement inspiré , notamment celles de bords de mer, nous montrant un Palavas les flots totalement sauvage ...

Nuits Blanches 2007

2007-10-12T14:03:00.000+01:00

J'ai hésité à écrire car je suis un peu déçue par cette édition des Nuits Blanches 2007, alors que j'avais beaucoup aimé les 2 précedentes éditions. Parce que même en ayant usé mes semelles depuis le marais jusqu'à St Lazare/pont Cardinet. finalement je n'ai pas retenu grand chose de ce grand show multimedia.
Pour autant j'ai envie d'encourager ce genre d'intiative : de mettre de l'art dans la vie et vice versa, mais là c'est comme un soufflé qui ne monte pas, ou alors il y a trop de vide dedans ... Comme dirait Souchon " Putain ca penche, on sent le vide à travers les planches".
Quelques photos de ce que j'ai bien aimé (mais je connaissais déjà) :
- l'installation interactive de Laurent Saksik ou l'on joue avec le mouvement de son corps interceptant un rayon de lumière.
- les installations vidéos de Frédéric Lecomte, découpages et remontages poétiques.

Wang Du "Photographs" (Galerie Laurent Godin jusqu' au 3 Nov )

2007-09-27T13:51:00.000+01:00

Que penser de cette exposition ? D'abord j'ai été plutôt séduite par cet environnement coloré, cette ville faite de photos accumulées. Et puis je me suis demandée ce qu'a voulu dire l'artiste ? Lors de sa grandiose exposition au palais de Tokyo en 2004, il avait voulu livrer une vison critique des médias comme les artistes des années 80 qui avaient aussi repris à leur compte les outils de communication pour mieux les détourner : Jenny Holzer, IFP ...
Et là je m'interroge : où est la lecture critique du déferlement d'images qui nous facsinent et nous vampirisent ? Formellement n'est ce pas un peu facile finalement ? (En clair j'avais été davantage étonnée par la mise en scéne au Palais de Tokyo, là c'est plus conventionnel.)

Wang Du déclare répondre à l'omniprésence de la représentation en "ciblant la réalité", en "la sculptant en réalisant un moule, une sorte d'enquête sociale, de regard total ". Aussi a til demandé à des amis et des étudiants de photographier tout ce qu'ils voyaient sans consigne, ni contrainte particulière. (pour moi déjà ca fausse le jeu, car il n'y a pas de régle) .
Au total 50 000 images ont été prises de différentes villes de Chine : Pekin, Nankin, Wuhan, Shanghai ...
Pourtant à moins d'avoir des yeux bioniques, vous ne pourrez ni lire, ni connaître , ni reconnaître , tant les photos sont petites et tant leur accumulation en bandeau les rapprochent selon moi davantage du papier peint coloré que du documentaire à visée sociale. L'artiste a l'air en effet tellement subjugué par le monde des médias, qu'il absorbe tout, il "readymaide" des flots d'images à l'infini.
Et la notice explicative de la galerie d'énoncer " 10 000 mètres carrés de photos, 4 tonnes d'encre et de papier ..." on est clairement dans l'accumulation, le consumérisme spectaculaire qui en veut toujours plus pour son argent ... certes "c 'est une empreinte du réel" comme déclare l'artiste à propos de son oeuvre, mais un réel consumériste plus qu'un réel " total "comme le revendique Wand Du , à moins que la consommation ne soit tout ...

Mais Kassel c'est aussi ça !

2007-09-22T14:48:00.001+01:00

1. Une vitrine de papéterie qui expose des dessins d'enfants à qui visiblement on a donné le thème suivant " Mon côté sombre doit aussi s'exprimer" ...
2. le lustre du "Gloria" Kino, qui derrière une façade décatie, cache une splendide salle de cinéma des années 50, consacrée au cinéma d'art et d'essai, avec une tablette qui court tout le long pour pouvoir poser sa bière.
3. Même les concessionnaires Volskwagen sont "Dokumenta", comprendre des hype curators.
4. Malheureusement la porte des "refusés" était close.
5 et 6 : Dans les jardins du château de Wilhemshöhe, une nature décidement très Caspar David Friedrich !

Autour de Robert (Filliou)/ Paris (Galerie Immanence)

2007-09-22T14:12:00.000+01:00

"L'art c'est ce qui rend la vie plus intéressante que l'art" disait Robert Filliou.
Pour voir comment il s'y prenait, et comment d'autres artistes d'aujourd'hui revisitent avec poésie et fraicheur ce principe ludique et illimité basé sur l'échange. Léger, drôle et très web2.0 avant l'heure. Pour une découverte en dehors des sentiers battus : à la galerie Immanence ( 21 av du Maine jusqu'à dimanche ), sinon allez cliquer sur ce blog là .
En profiter pour acheter le Numero 1, de la revue "Sans titre", futur collector :o)

Documenta 12 (Kassel )

2007-09-19T14:36:00.000+01:00

Une 12 ème édition très critiquée. Mais à mon avis, il en va des Dokumenta comme des Woody Allen, même faible, cela reste largement au dessus de la moyenne. Par provocation, je pourrais aussi dire que le pélerinage tous les 5 ans, se justifie par la seule présence des Rembrandt et des Franz Hals du château de Wilhelmshöhe. En plus il y avait une superbe exposition de peintres flamands avec un portrait d'Elisabeth Tudor par Dürer à se damner. Mais pour en revenir à notre époque, quelques artistes méritent à mon sens à eux seuls le détour, après tant pis pour certaines maladresses d'exposition ou choix moins heureux :

Ai Weiwei, artiste architecte chinois.
Pour la sculpture "Templates" réalisée pour l'occasion, il a assemblé des portes des dynasties Ming arrachées lors de la construction de nouveaux buildings à Pékin pour en faire une espèce de rose des vents. Et ironie du sort pour quelqu'un qui justement dit que ses idées vont et viennent comme le vent; la sculpture a été détruite par une bourrasque quelques jours après l'inauguration. Weiwei a choisi néanmoins de la laisser en l'état, et l'oeuvre fascine encore car on y sent les energies : celle de l'artiste et celle du vent ... qui par son intervention a contribué à la renommée de l'oeuvre et en a doublé le prix :o)
Pour "Fairly Tails", c'est une idée simple : il a invité 1001 chinois qui n'avaient jamais eu l'opportunité de voyager, et à qui ce ne serait même pas venu à l'idée de pouvoir se rendre en Allemangne, à venir et rester une semaine à Kassel, tous frais payés. Ensuite ils doivent lui faire part de leurs impressions et intérets et enregistrer les photos sur une clé USB, mise en ligne par la suite sur un blog. Il a du selectionner les participants car en 3 jours il avait déjà recu 3000 réponses à son annonce ! Voilà le principe n'est pas nouveau , c'est un peu "Les lettres persannes" au XXI ème siècle, c'est utile de nous rappeler que le regard de l'étranger de l'autre, est nécessaire pour nous sortir de nos habitudes , de notre routine et nous rendre plus intelligent.

Trisha Brown (US), grande dame de la danse contemporaine depuis les années 70.
Elle réalise ici plusieurs pièces dont l'installation et la chorégraphie "Floor of the forest" : enthousiasmant ! Gestes simples, corps qui défient la gravité en ondulant sur une mer de cordages et de vêtements. Scène horizontale qui vibre. D'accessoire chorégraphique, le "cordage" devient après le départ des danseurs une sculpture , comme un filet de pêche qui du fait des vêtements , garde la mémoire des corps, nous renvoyant ainsi à la conscience du caractère ephèmere de notre condition. Du fait de la grande simplicité des moyens mis en oeuvre (tant au niveau de la chorégraphie que de la scénographie ). Barthes qualifiait les mises en scéne de Trisha Brown comme relevant de la plus parfaite "vénusté" traduisant aussi la séduction pure qui s'en dégage.
(Je regrette d'ailleurs d'avoir manqué le spéctacle donné par Yvonne Rainer, donc si certains d'entre vous y ont assisté, je veux bien des détails ou des photos.)

Charlotte Posenenenske, designer, artiste et sociologue allemande.
Cette artiste reprendra à son compte les concepts minimalistes américains mais avec une sensibilité européenne, notamment du fait de ses questions sur l'illusionisme. "Je suis intéressée par la tension qui est crée entre la réalité de la tridimensionalité du support et l'illusion de tridimensionnalité de la peinture." Comme les artistes des années 60, Posenenske était fascinée par la technologie, l'industrie et la production à grande échelle. Ses oeuvres seront essentiellement réalisées à partir de matériaux industriels : , plastique, scotch, feuille d'aluminium etc. Sa grande préoccupation sera aussi de refuser les relations hierachiques entre les élements d'une composition, ... la fonction sociale de l'art n'est jamais très loin. Elle réalisa de nombreux dessins, vidéos et introduit dans les années 60 une dimension participative à ses sculpltures. Mais en 1968 , trouvant l'art trop insuffisant à changer le monde elle arrêta sa carrière d'artiste pour se consacrer à la sociologie. Elle est décèdée en 1985 à Franckfort.
Tout cela ne pourrait être que théorique et barbant , si ce n'est qu'à regarder ses oeuvres datant des années 60 : on est frappés par l'élégance de leur proportions et finalement leur grande modernité. A côté, je trouve que les oeuvres récentes de John Mac Craken font très toc bref je n'ai pas compris son apport par rapport à Judd ou Posenenske.

Gaëlle Chotard "Au fond" (Galerie Papillon jusqu'au 20 octobre)

2007-09-16T17:58:00.000+01:00

Première exposition personnelle à la galerie pour cette jeune artiste française, ancienne éléve d'Anette Messager aux Beaux Arts. Des sculptures légères en tricotage metallique laissant voir le vide sont suspendues au plafond par un simple fil. Circulation des énergies ; elles s'animent quand on passe près d'elles. Formes organiques et mystérieuses (entre phallus et rhizome) plongées dans l'obscurité, leur présence est doublée d'une ombre démultipliée qui nous renvoie à nos rêves, à nos peurs et à nos pensées noires et intimes. Si les sculptures sont toute en intériorité, on sent dans les dessins, une energie "lachée" toute d'expansion poétique.
Pour y faire écho, une vidéo "Troubles" , hommage à Caspar Friedrich, montre une femme qui s'enfonce doucement dans le paysage, elle prend racine dans sa contemplation. On ressent un contraste entre ce paysage si paisible, cette apparence si lisse et d'autre part les sculptures devoilant une intimité peuplée de pensées noires et érotiques.

"De leur temps (2)" Collections privées au Musée de Grenoble (jusqu'au 16 septembre 07),

2007-08-24T17:19:00.000+01:00

J'ai été agréablement surprise par cette exposition axée sur les acquisitions de 70 collectionneurs français privés au cours de ces 3 dernières années.
Surprise car je connaissais à Grenoble le Magasin et pas le Musée de Grenoble qui jouit pourtant de très beaux volumes, d'une belle vue sur le fleuve et d'un directeur eminemment sympathique. Surprise, car il m'a semblé que les collectionneurs ont d'avantage joué le jeu que la fois précédente en prêtant de vraies belles pièces . Et l'adage typiquement français "pour vivre heureux , vivons caché" devient de ce fait moins vrai !
Qu'en ai je retenu :
- une surprenant installation vidéo de l'allemande Maike Frees projetée sur des boîtes en carton dessinées;
- le Moucharabieh fait avec des menottes de Kader Attia

- le Letter Man Dream Object de Jim Shaw , qui pourrait être un passe muraille tout droit sorti d'une nouvelle de Marcel Aymé.

- un trés beau lion de Xavier Veilhan (comme je n'avais pas du tout aimé la scénographie qu'il avait conçue pour la Force de l'art , ni même des dernières sculptures que j'ai pu voir, il est intéressant de voir qu'effectivement il a réalisé précédemment de belles pièces ).

- les toiles mystérieuses d'Adam Adach

- la peinture sur bois de l'allemand Jens Wolf

Le cheminement à travers ces oeuvres est agréable malgré leur grande diversité; et ce grâce à un regroupement par petites salles , comme autant de pièces d'appartements, qui les rend à fois lisibles et vivantes. Au final, cette exposition coorganisée par l'ADIAF (associatation de collectionneurs d'art contemporains) non contente de montrer la vitalité des collections privées françaises, a su trouvé ses marques par rapport à une première édition plus "terne" il y a 3 ans à Tourcoing, on attend donc avec impatience le cru 2009 !

A propos de "Marcel Duchamp", biographie par Judith Housez

2007-08-16T16:49:00.000+01:00

Grâce à Pascale, une amie chère qui pense doublement bien, je fus invitée cet été à la Poste pour retirer, un colis surprise (= quel délice !) : les 2 biographies de Duchamp qui viennent de paraître ! Parfait timing pour contrebalancer les effets lénifiants du soleil, de la beauté du paysage et des conversations de plage ! Dès lors, en ce mois d'août je l'emportais partout avec moi, déclenchant à chaque fois des remarques tranchées : "Pfff Duchamp, quel fainéant, et pis sa pissotière, je vois pas l'intérêt". "Aaaahh, Duchamp, le plus grand artiste du XX ème siécle, tu me le prêteras quand tu auras fini", etc . Dernièrement en dinant avec Tamim et Pato, rebelotte : sauf que le débat s'était heureusement élévé et fut passionné. Néanmoins cela finit de me convaincre que Duchamp continue de déranger et d'être un sujet de polémique 80 ans après , et qu'à ce titre c'était un parfait sujet de blog. Donc cher Tamim, et vous cher lecteur : j'attends vos remarques avec impatience ;o)

Qu'ai je retenu de cette biographie contenant quelques redites, mais très bien documentée et agréablement écrite ?

- qu'à l'inverse d'un père fin et protecteur, sa mère était sourde et distante avec lui, qu'il communiquait peu avec elle et essentiellement par des signes et des notes. Faut il y voir un lien ? Il choisit les arts visuels (comme ses 2 frères peintre et sculpteur Villon et Duchamp Villon) et restera toute sa vie durant très attaché au système de griffonage de notes sur tout support.

- que lui ,le fils de notaire de province, a su être là où ca se passait au moment où il fallait, qu'il est un des rares artistes français de son époque à avoir voyagé, même si c'était davantage pour quitter Paris que pour aller à New York. Il a d'ailleurs aidé NYC à quitter son statut de ville "provinciale" pour passer à celle de capitale de l'art, reléguant Paris à la périphérie.
Alors que sa toile "Nu descendant l'escalier " passa relativement inaperçue au Salon d'Automne à Paris qui en voit d'autres avec les cubistes et les futuristes, elle déclenchera à son insu un veritable scandale au premier Armory Show de New York, et le rendra immédiatement célébre. Nous sommes en 1913. Pour cette oeuvre, il puise son inspiration dans les sciences , l'anatomie, notamment le mouvement decomposé et photographié par Etienne Jules Marey et non pas, malgré les apparences, dans d'autres courants picturaux comme le futurisme ou le cubisme. Il doit d'ailleurs davantage le succès américain au titre provocateur à lègère connotation érotique que par la forme même de son tableau qui à l'inverse, est lui totalement dénué de sensualité. Provocation, Désir, Titres (Gratuité du Mot ) : déjà l'univers duchampien se met en place.

- En excellent stratége, il gérera ses oeuvres comme un excellent joueur d'échec. Il comprend très tôt comment s'entourer et séduire la presse et les leaders d'opinion.

- En 1913 il se posait déjà la question "Peut on faire une oeuvre qui ne soit pas d'art ?"

Il y répondra notamment en inventant les Ready Made, mais sa grande invention sera de les faire connaître , accepter et durer dans le monde de l'Art, alors qu'ils auraient pu seulement être une plaisanterie ephémère car concue comme telle au départ.
Pour le Salon des artistes Indépendants à New York en 1917, il acheta un urinoir à dos plat chez JL Mott Iron Works Company, appela son objet canular "Fountain" (encore une allusion au sexe feminin), il signa en bas à droite R. Mutt 1917, parce que mutt signifie aussi cucul la praline. Le conseil des organisateurs du salon se réunit , et malgré le principe édicté "ni jury, ni prix" et après débats, refusa la pièce car jugea l'envoi "immoral et vulgaire". Le succès de scandale était garanti. Il reprit la rumeur en signant un article mais sous le nom de Louise Norton."Que Monsieur Mutt ait fabriqué ou non de ses mains la fontaine n'a pas d'importance. Il l'a choisie. Il a pris un objet courant et l'a placé de telle sorte que sa signification habituelle disparaisse sous un nouveau titre et son point de vue-créant ainsi une nouvelle perception de cet objet."

En 1917, seule l'avant- garde connaissait l'existence de "Fountain" aux Etats Unis et aussi en Europe, grace à des publications, où photographiée par Man Ray (!) elle était parfois reproduite. En 2001 , un réeditation sera vendue 1,9 Millions de dollars chez Sothebys.

Au delà de la valorisation de "Fountain" , Duchamp a su créer la modernité, cependant il reste un homme de son temps, celui des inventions, du goût pour les farces et les contrepetries. Aussi je préfére le qualifier de dandy inventeur, davantage que d'artiste. Il reste aujourd'hui encore un grand rafraichisseur d'idées surtout par rapport à notre époque tellement coincée et politically correct.

Il avait rencontré Wharol à la demande de ce dernier et avait reconnu parmi les premiers son immense talent. Le jeune dandy choisissait également des "beautés d'indifférence" pour ses sérigraphies, des objets de tous les jours, mais avec le phénomène de répétition en plus. Lui aussi déléguerait la fabrication de ses toiles à son atelier, la main de l'artiste n'étant là encore pas indispensable à la qualification de l'oeuvre en art. Sa source d'inspiration serait la société de consommation, et non plus la société industrielle, chacun son époque.

Ainsi , cher Tamim, Duchamp ne brisa pas pour les générations futures, l'objet peinture, ou le dialogue avec la peinture. Il ouvrit une nouvelle voie, ou plutôt la poussa à son paroxysme : celle où c'est le spectateur qui fait le tableau. Renversement des pouvoirs, tellement d'actualité ! Il refusa celui auratique de la peinture, de sa présence, de son immanence, et c'est certainement pour cela que tu lui en veux ? Il préféra faire du musée non plus le lieu de l'adoration des idoles, mais en quelque sorte un nouveau terrain d'expérimentation. (On sait par ailleurs que Duchamp avait lu des livres sur le bouddhisme quand il travaillait à la bibilothèque St Geneviève.)

En utilisant le verre et le miroir dans ses oeuvres, il a également inspiré de nombreux artistes, comme le sculpteur Tony Smith ou Pistoletto : son Grand Verre annoncant les sculptures pouvant devenir l'accessoire d'une scénographie où le corps du spectateur est partie prenante de l'oeuvre, donnant ainsi à l'homme la conscience d'exister.

Robert Gober au Schaulager (Bâle, jusqu'au 14 octobre 2007)

2007-07-16T14:01:00.000+01:00

De l'américain Robert Gober, je connaissais des jambes en cire blanches et poilues, posées par terre, qui semblent dépasser du mur, comme si le reste de la personne avait été mystérieusement absorbé par la pièce. Ici la rétrospective nous montre la grande diversité de son travail réalisé entre 1976 et 2007 : dessins, sculptures et installations qui détournent les objets de la vie quotidienne (éviers, plaque d' égouts, chaise d'enfant, papier peint ...) pour étonner et inquiéter notre regard. Il faut être curieux et même un peu voyeur pour appréhender cette oeuvre, sinon on peut simplement passer à côté sans la voir, comme pour cette porte à peine entrebaillée, où il faut se désarticuler pour apercevoir derrière une baignoire où l'eau coule sur une paire de jambes poilues ou encore ce papier peint qui de loin parait celui d'un intérieur cosy et kitch mais qui de près se révèle être une superposition de penis.

Et puis il y a ces installations magiques, notamment celle crée pour la Dia Fondation en 2000. Après avoir parcouru un corridor sombre où trainent de la mort au rat et des liasses de vieux journaux empaquetés, on pénétre dans une vaste salle très lumineuse où une forêt tropicale est peinte sur les murs percés en haut de fenêtres avec barreaux. Elles donnent sur un ciel bleu à la luminosité extraordinaire et on entend couler l'eau. C'est un peu comme si l'artiste avait inverti : l'extériorité imaginaire d'une cellule de prison devenant son intériorité (le soleil, les arbres, l'eau), nous questionnant ainsi sur la perception de la liberté mais aussi sur celle de la déforestation. Avec ses plaques d'égoût il nous prend encore à contrepied. Car en dessous, au lieu d'une opacité ou d'un liquide visqueux et nauséabond, c'est de l'eau claire avec des crabes, des poissons et des piècettes de monnaie, comme dans une fontaine à souhaits.

Même si je n'ai pas toujours compris où étaient nichés les thémes de prédilection attribués à Gober : enfance, sexualité, pouvoir, exclusion, j'ai surtout rencontré le travail d'un merveilleux plasticien, iconoclaste subversif, retroussant les objets de notre quotidien, nous dérangeant dans nos habitudes mentales et nos à priori, rapprochant la lisière du répulsif avec celle du merveilleux pour mieux réveiller notre conscience. Je regrette simplement que les cerbères du Schaulager m'aient empeché de faire les photos que j'aurais aimé vous montrer.

Fondation Beyeler (Bâle)

2007-07-15T10:27:00.000+01:00

Surprenante petite bourgade suisse- allemande qui peut pourtant rivaliser avec New York tant elle regroupe en plus de la plus grande foire d'art contemporain, parmi les plus beaux musées d'art moderne au monde ainsi que des architectures inspirées : Fondation Beyeler dessinée par Enzo Piano, Schaulager entrepôt réaménagé par Herzog et de Meuron, Usine Vitra par Frank Gehry ... (sans parler de la fondation de l'enfant du pays Tinguely et du KunstMuseum).

Voilà si j'essaie de résumer mes premières sensations, j'aimerais bien dans une prochaine vie être chat à la Fondation Beyeler, tant l'endroit est une synthèse créative du meilleur état de l'art à un moment donné, quand le marchand d'art Beyeler, esthète éclairé et élégant fait construire en 1997 un écrin pour donner à voir sa collection d'artistes modernes qui regroupe certes parmi les plus grands noms mais également leurs pièces maîtresses. Je pense à la "Bouteille de vin" de Picasso , verticalité colorée mise en regard avec une statue africaine se détachant d'un écran de verdure, ..., aux petits Klee ou encore la salle des Giacometti et celle des Rothko qu'on ne se lasse pas de contempler.

Pour fêter les 10 ans de la Fondation, Munch est à l'honneur avec une magnifique rétrospective : merveilleux accords de couleurs, formes cernées qui fondent sur nous avec force, mystère et souvent mélancolie.

Et puis à la fin de la visite, on peut aller s'affaler dans un canapé spacieux de la bibliothèque qui donne sur les champs environnants ou aller à la librairie et feuilleter livres et litho. C'est là que j'ai vu les arbres du jardin emballés par Christo en 1998 : décidément être chat à la Fondation Beyeler !

Frédérique Loutz à la galerie Claudine Papillon

2007-05-29T17:19:00.000+01:00

"Hansel et Brätsel" (jusqu'au 16 juin 2007)

Cette exposition accueille les travaux réalisés par Frédérique Loutz pendant son année de résidence à la Villa Médicis.

La jeune femme reste fidèle au support papier, avec un univers inspiré des contes de Grimm, de sujets récurrents dans l'histoire de l'art ( vanités, représentation du corps, du nu , de l’alter ego)

De ses réinterprétations se dégage une nouvelle force.
Les œuvres sont à la fois denses et pleine de légéreté due à la dextérité de l'artiste à manier la pointe sèche. Alors qu'elle avait jusqu'alors privilégié les aquarelles en couleurs, une fois arrivée à rome, elle a trouvé les accords de couleurs merveilleux et n'a pas eu envie de retrancher celle ci ou d'ajouter celle là. Elle a donc choisi de déplacer son travail vers le noir et blanc, travailler l'ombre et la lumière, d'où l'encre de chine et un aspect sculptural de son travail.
Le trait est parfois rehaussé et adouci par des coulures d'aquarelles et des traits de crayons couleurs.

L'artiste présente aussi d'étranges sculptures et collages d'objets choisis, qui l'accompagnaient dans son atelier et donc elle s'inspire pour ses dessins.,Ils sont chinés ou spécialement construits ou cousus ( pipes, poupées, gants, crânes).

Le titre de l'exposition est aussi celui du livre réalisé en lithogravure pour l'occasion. Etant d'origine lorraine, l'artiste a eu envie de faire un livre de recettes autour du "Brätsel". En effectuant ses recherches, elle s'est rendu comte que l'origine de ce petit pain était "braccio" et romaine, curieux hasard de s'en apercevoir au monent même où elle résidait à la Villa Medicis : la boucle du brätsel était bouclée.
Une très belle exposition à parcourir comme on découvre une histoire, autour d'une jeune fille équilibriste d'un nouveau genre , dans le monde grinçant qui l'entoure.

L'Emprise du Lieu, Domaine Pommery, Reims.

2007-05-28T10:41:00.000+01:00

Si je n'ai pas pu voir l'exposition de cette trentaine d'artistes contemporains choisis par Buren him self, j'aurais au moins compris le pourquoi du titre : "L'emprise du lieu". En effet quand vous vous rendez dans ce lieu assez magique des caves Pommery hors pinces - fesses (= hors vernissages ou bus VIP affrété depuis Paris), l'exposition n'est visible que si vous rejoignez un groupe (= horreur!) et ce après avoir droit à l'entière visite des caves Pommery (température = 10°C) et au passage en caisse après dégustation ( = racket). Après ce merveilleux parcours, la température de votre corps ne réclamant que la chaleur et la lumière de l'extérieur, c'est là que vous devez encore faire preuve d'abnégation pour découvrir pendant une visite toujours guidée d'1h (=argh) les artistes exposés dans les caves, sans aucun cartel soit dit en passant. Bref autant vous dire que moi qui m'y étais rendu depuis Paris partageant avec des amis champenois quelques bulles d'avance le midi (pas des pommery d'ailleurs ouf car je pense à boycotter la cuvée Louise dorénavant); nous nous sommes sentis totalement piégés. Car aucune communication faite autour de l'événement n'avertissait de ce marchandage. Quelle est le but de cette exposition ? A qui s'adresse t elle ? Pas à des champenois curieux , qui connaissant par coeur les méthodes de vinication locales n'ont pas envie d'être pris pour des touristes. Pas à des amateurs d'art, qui n'ont pas envie de se geler en visite de groupe pendant environ 2 h 30 après avoir déjà attendu 1heure le début de la visite... Alors à des cars de touristes qui viennent voir Pommery ? Beaucoup de travail pour pas grand chose , serait on tenté de dire. Seul rayon de soleil, les petites tables de Nathalie Elemento et sa bibilothèque heureusement exposées dans le cellier (donc visbibles quand même !)

Air de Paris ( Beaubourg jusqu'au 15 Août 2007 )

2007-05-28T10:07:00.000+01:00

Trop de thèmes, trop d'oeuvres et justement peut être pas assez d'espace et d'air pour être stimulé et apprécier. L'impression d'ensemble est celle d' un fourre-tout touffu. Toutefois j'ai été touché par la beauté de la première salle avec la fiole d'apothicaire rempli d'air de Paris par Duchamp, les gouttes de pluie de Michel Blazy et les silhouettes de Fauget : moment de poésie.
Sinon j'ai retenu une vidéo frappante par Abdessemed de lait qui coule sur le corps à peau noire d'un africain et un beau dessin également de Fabrice Hybert. S'il vous reste encore un peu d'énergie, allez vous ressourcer chez "Beckett" (au même étage à Beaubourg), c'est intelligent et élégant; on peut voir plein de petits films, à noter aussi un néon sympa d'Albérola.

Testsumi Kudo « La montagne que nous cherchons est dans la serre » / « Mutatis Mutandis » extraits de la collection de Galbert. Jusqu'au 13 mai

2007-03-18T23:04:00.000Z

Parallèle très intéressant entre cet artiste japonais traumatisé par Hirochima et qui vient travailler en France dans les années 60 avec la collection personnelle d’Antoine de Galbert sur les corps mutants.

On retient un artiste violent (y compris contre lui même), délirant et visionnaire qui va truffer son œuvre de chrysalides et/ou de phallus, de cages et de cocons,de plantes artificielles où la question du devenir (via la décomposition) et de l’enfermement est récurrente.

Pour y faire écho, la collection privée associe une sélection remarquable d’oeuvres d’époque et de media différents, avec notamment la vidéo –performance frappante de Patty Chang (« Melons ») ou encore la terrible série de photographies de Guillaume Herbot sur les survivants d’Hiroschima : la boucle est bouclée.

La Maison Rouge
10 bd de la bastille
75012 Paris

Expodrome de Dominique Gonzales Foerster et Cie (ARC jusqu'au 5 mai 07)

2007-03-18T19:05:00.000Z

Si comme Ellsworth Kelly , dans un musée vous préférez regarder les volumes ou par les fenêtres, si vous aimez flâner, expérimenter, alors la déambulation/promenade conçue par Dominique Gonzales Foerster est pour vous. Nous sommes invités à la flânerie plus qu'à une exposition. Ici l'espace de l'escalier accueille de curieux transats et nous donne à voir un mur que nous ne regardons jamais d'habitude mais qui devient un écran pour la vidéo de Nicolas Gesquières. La fée Electricité est habitée de l'espace sonore crée par Bashung. Puis on redescend vers une jetée posée dans une pénombre et on marche jusqu'à attendre pour rentrer dans le "Cosmodrome" via une passerelle extérieure (là encore jamais soupçonnée en temps habituel). Et là c'est d'abord le noir total puis quelques lumières sur des pianotements électroniques (par Jay Jay Johanson), des tâches colorées et un rayon jaune apparaissent ... les planètes !
Pour finir ou commencer d'ailleurs, une allée à la lumière douce (crée par Christophe Van Huffel), d'où tombe le bruit de l'eau mais sans eau, des murs qui apparaissent être en béton laqué et qui réflechissent des tâches de lumière. Même si il n'y a rien de particulier à voir on se sent bien à se promener et les autres flâneurs nous apparaissent beaux dans cet espace.
Association d'idées : jardin zen, toits de Paris, Palais de la Decouverte.

Fischli and Weiss au Musée d'art Moderne de la Ville de Paris

2007-03-06T09:11:00.000Z

Flowers § Questions / A retrospective

Réenchanter le monde mais avec des objets simples ou bêtes (bidon d'essence, bouteilles, pneu fourchettes, sculptures en terre pas cuite ...). Je me suis beaucoup amusée et j'ai trouvé cette rétrospective très poètique.
Mettre de l'anodin dans l'exceptionnel et vice versa, et ce avec une grande diversité et inventivité formelles. J'ai renoué avec une âme d'enfant devant les travaux de ces 2 complices suisses. Leur regard sur le monde est profondement humain et taquin.
Ainsi dans le film "The Way Things go" l'écran est séparé en 2, à gauche une nouvelle version de la file de sucres dont le premier tombe et entraine les autres, sauf qu'ici c'est revisité façon enchainement de petites catastrophes avec un pneu qui tombe jusqu'a pousser un bidon qui se déverse dans un bac qui prend feu et qui allume la mèche d'un ballon qui va se dégonfler en tournant et ...
c'est jubilatoire. A droite on voit les artistes travailler dans leur atelier et les multiples essais infructueux et ajustements nécessaires pour parvenir à cet enchainement de phénomènes. Et devant ce making-off de leurs échecs répétitifs on rit comme devant Buster Keaton, c'est totalement burlesque.
" Suddenly this overview" , est une série de 250 petites sculptures en terre, que justement on ne peut pas appréhender d'un seul regard, comme le titre voudrait le faire croire. C'est une microscopique vision du monde et plusieurs choses sont ici mises au même niveau. Certaines terres représentent les moments clés de l'humanité (construction des pyramides, imprimerie de Gutenberg ..) mais évoqués dans toute leur trivilité et banalité, et tout est dans le décalage des clichés. Exemple : une terre montre un couple dans un lit , le titre est "Mr et Mme Einstein juste après la conception de leur génie de fils". Il ya aussi les "popular opposite" comme " big and small" ou justement les 2 personnages ont la même taille, montrant combien tout est relatif, justement !
La série des "Quiet Afternoon" représente des équilibres instables. Elle rend à la photo tout son sens, vu que les photos sont prises l'instant avant que tout parte en vrille ou s' écroule, donc au moment où tout était au mieux avant que ça empire. Natures morte à base de carottes, bouteilles et élastiques , montrant encore la fugacité des choses par un "après midi pas si tranquille" que çà. Finalement on revisite Chardin ici, ca me rappelle une natures morte à la Raie avec un chat prêt à bondir sur le poisson et à détruire le bel ordonnacement des choses , et ainsi à le rendre vivant.

Je ne vous raconte pas tout. En tous cas, c'est l'exposition à ne pas manquer comme ca vous saurez pourquoi elle s'appelle "Flowers § Questions".

(Comme visiblement le lien vers un article plus ancien est impossible sur cette plateforme je copie l'article écrit en octobre dernier quand j'avais vu cette expo à Londres.)

"Cap au Pire" par Samuel Beckett, joué par Sami Frey à l'Atelier

2007-02-25T10:48:00.000Z

"Cap au Pire" est une oeuvre initialement écrite en anglais "Worstwrd Ho", en 1982. C'est une des pièces des plus épurées, où un personnage solitaire, dans la pénombre de la scène, parle "échouer mieux, échouer moins pire". Comme si notre condition dérisoire était de continuer, même si c'est pour rater et de recommencer encore et encore. D'où cette parole lancinante et répétitive, où le langage est déconstruit pour mieux nous faire sentir la limite du sens. Beckett écrivait " Les mots vous lâchent, il ya un moment où même les mots vous lâchent."
L'articulation de Sami Frey est poétique et parfois drôlatique . Absolument sublime, son visage émacié offrirait presque une parenté physique avec celui de l'auteur.
A propos de Beckett, une exposition se prépare à Beaubourg, et en attendant on peut toujours regarder ici son improbable petit film "Not I", réalisé en 1973.

Tatiana Trouvé « Double bond », Palais de Tokyo au sein de l’exposition « M, Nouvelles du monde renversé » (1 février- 6 mai 07)

2007-02-22T21:42:00.000Z

Sur une surface de 500 m2 sont réunies des sculptures hybrides, des élèments d’architectures qui jouent sur le décalage, la répétition et le jeu d’échelle. De fines structures tubulaires métalliques qui vont du sol au plafond, des petites portes remodèlent et rythment l‘espace.

On cotoie des scelles de vélos avec des barres amovibles reliant entre elles des boules de ciment, on reconnaît des fragments de batteries. On parcourt mentalement le mécanisme de l’objet essayant d’imaginer ce que sa mise en branle pourrait provoquer, en vain. On ne peut pas l’essayer non plus vu la leur petite taille qui fait de nous des géants. Ce changement d’échelle nous tient donc à distance et nous rend encore plus étranger à cet environnement qui nous renvoie avec force son autonomie.

www.palaisdetokyo.com

Fabien Verschaere "Seven Days hotel" Moca, Lyon. (jusqu'au 29 avril 2007)

2007-02-17T11:31:00.000Z

C'est l'univers de son film d'animation "Welcome to the Seven Days Hotel" (voir mon billet Nuits Blanches à la Goutte d'or de Nov 06) qui est ici déplié en 3 dimensions et à échelle humaine. Je déambule donc physiquement ce lieu qui du virtuel est devenu réel où la musique rock continue d'avoir toute sa place. Composée par Audrey Mascina (qui avait déjà collaboré pour le film), c'est d'abord elle que l'on entend et qui nous guide jusqu'à l'accueil de cet hôtel déjanté où le réceptionniste est le diable . Puis toujours dans une ambiance lumineuse plus proche du Baron ou du Bus Palladium que du Ritz, un couloir donne sur 7 chambres.
On retrouve ici les obsessions de l'artiste : Eros et Thanatos, la maladie, le rêve, dans son style poignant et enfantin : formes rondes et envahissantes , couleurs saturées. Le personnage barbu, avatar en volume de l'artiste est très présent. Travail colossal car depuis l'espace du lieu jusqu'aux petites lampes en céramique aux formes de diable, princesse, clown, aux différents films d'animation , au dessins, au distributeur de boisson, à la musique, tout a été conçu par l'artiste spécialement pour cette exposition (il a travaillé dans un atelier de fabrique de décors de théâtre lyonnais). Et puis à côté dans une pièce à part , présenté sur des planches encadrées, il ya le conte imaginé et illustré par l'artiste. Cette histoire en partie auto-biographique est le socle de son travail débordant de sincérité et d'imagination. On sent un artiste jeune à l'appetit insatiable, qui en partant du dessin et de l'écriture, utilise maintenant tous les media (film, fanzine, musique, écriture, sculpture) pour stimuler l'ensemble de nos sens. Comme après un concert de pop star, on en ressort en se sentant "saturé" et surtout plein d'energie et terriblement vivant.
A découvrir aussi ici sur myspace.

Questionnaire de Proust : Fabien Vershaere et Audrey Mascina

2007-02-17T10:49:00.000Z

1/ Votre principal trait de caractère ?
Fabien Verschaere : bougon
Audrey Mascina : l'impulsivité

2/ La qualité que vous désirez chez un homme ?
FV : la jovialité
AM: l'hyperactivité

3/ la qualité que vous désirez chez une femme ?
FV: sa tactilité
AM: son côté masculin

4/ Ce que vous appréciez le plus chez vos amis ?
FV: leur fidélité
AM: leur ouverture d'esprit

5/ Votre principal défaut ?
FV: cyclotimique
AM : impatiente

6/ Votre occupation préférée ?
FV: l'art
AM : je n'ai pas l'impression que je m'occupe

7/ Votre rêve de bonheur ?
FV : Mourrir sans souffrance
AM : Faire que chaque jour soit existant, rencontrer des gens passionnants.

8/ Quel serait votre plus grand malheur ?
FV: la conscience
AM : perdre le désir

9/ Ce que vous voudriez être ?
FV : ce que je ne voudrais pas être.
AM : moi même, car je ne la connais pas encore.

10/ Votre couleur préférée ?
FV: rouge
AM : Noir et blanc

11/ la fleur que vous aimez ?
FV : la cage à amour = l'ibiscus.
AM : l'orchidée.

12/ Le pays où vous désireriez vivre ?
FV : l'Afrique
AM: Songer à en inventer un.

13/ Vos auteurs favoris ?
FV : Pessoa
AM : Poètes de la Beat Géneration. Aldous Huxley. Baudelaire.

14/ vos héros dans la fiction ?
FV : Ceux qui ne le sont pas, ma force vient d'en bas.
AM : Ceux qui ont su créer 1 personnage.

15/ Vos héroïnes ?
FV : les amazones
AM: Marilyn

16/ Vos compositeurs favoris ?
FV : Brel
AM : Michael Jackson

17/ Vos héros dans la vie réelle
FV : ma famille
AM : Karl Lagerfeld

18/ votre artiste favori ?
FV : Bacon

18/ Ce que vous detestez par dessus tout ?
FV : détester. détester.
AM : l'hypocrisie.

19/ le don de la nature que vous aimeriez avoir ?
FV : des ailes
AM : la patience

20/ Comment aimeriez vous mourrir ?
FV : le pinceau dans la main
AM : en faisant la fête, en jouissant.

21/ Votre état d'esprit présent ?
FV : J'ai un peu bu
AM : gaie

22/ les fautes qui vous inspirent le plus d'indulgence ?
FV : l'adultère
AM : celles faites par des gens qui ont pris des risques.

23/ Votre devise ?
FV : C'est pas fini.
AM : "Stick to your rules". Inventer ses régles et s'y tenir.

Expo au MOCA de Lyon jusqu'au 27 avril 2007
et aussi leur site ici.

"Time Flies" chez GB Agency

2007-02-09T21:47:00.000Z

Robert Breer, Attila Csorgo, Yann Sérandour, Fischli § Weiss, C.Floyer, chez GB Agency (jusqu’au 10 Mars).

Ne pas manquer cette petite exposition de groupe, toute en finesse et en humour, autour du thème du processus démonté, du jeu et du hasard, du temps qui passe et nous avec. J’apprécie particulièrement le travail de l’américain Robert Breer, éternel jeune homme de 80 ans. il y a ses tableaux au mouvement à peine perceptible, rappelant ceux de Pol Bury . Et puis il ya son dessin et son film d’animation. Sorte de rêve avec de sympathiques pingouins, son film est fabriqué image par image sur le même principe d’un livre que l’on feuillete pour qu’il devienne animé : le processus se dévoile là encore et montre la fragilité et fugacité des choses. Idem du petit film de Fischli and Weiss (en attendant la superbe rétrospective qui va s’installer au Musée d’Art moderne de la ville de Paris pour ceux qui ne l’ont pas vu à Londres cf mon billet d'octobre 2006).

"la Cantatrice Chauve" mise en scéne par Lagarce (Théâtre Athénée Louis Jouvet jusqu'au 17 février 2007)

2007-02-07T11:01:00.000Z

Dans le cadre de l'anniversaire de Jean Luc Lagarce (il aurait eu 50 ans cette année), "la Cantatrice Chauve" est rejouée telle qu'il l'avait mise en scéne . Lui qui disait faire du théâtre pour ne pas être seul, a bel et bien constitué sa famille qui lui rend vie car il s'agit ici des mêmes acteurs, de la même équipe pour l'éclairage , le décor, et la bande son que de son vivant.
Si l'homme de théâtre avait choisi cette pièce mythique d'Ionesco c'est que lui aussi s'interrogeait beaucoup sur la valeur que l'on peut accorder aux mots, sur l' impact sur celui qui les reçoit. Parrallèlement il critique également les modes de vie conventionnels, dit "petits bourgeois" pour la superficialité des rapports humains.
Aux dires D'Ionesco, l'idée de la pièce lui serait venue quand il apprit l'anglais via la méthode Assimil. Il y découvre un langage qui tourne dans le vide dans un échange banal de propos anodins.
C'est le point de départ d'une critique du langage, du manque de communication, de la superficialité et l'absurdité des rapports humains dans un cadre de vie petit bourgeois.
C'est au printemps 1950 qu'a lieu le première représentation dans la petite salle des "Noctambules". Côté spectateurs c'est le vide ou les huées. Côté critique, la pièce se fait descendre. Sa première carrière s'achève le mois suivant au bout de 25 représentations. Seuls quelques gens de lettres la défendent avec Jean Paulhan, Breton, Queneau, Audiberti ou encore Camus. Il faudra attendre 7 ans pour que le tout Paris se rende à la Huchette. (qui détient aujourdhui le record de nombre de représentations avec sa 15500 ème ).
Ici à l'Athénée, la mise en scène millimétrée par Lagarce rappelle des images de Jacques Tati mais surtout les rythmes des sitcoms (avec éclairages et applaudissements). C' est drôlatique. La Cantatrice n'a pas changé de coiffure et nous rions jaune.

« Antonin Artaud, Logique de l’expérience », à la BNF site F.Mitterrand (Jusqu’au 4 février 2007)

2007-01-31T12:04:00.000Z

Ironie de l'histoire que cet hommage rendu au génie torturé, au poète, au cinéaste, au dessinateur, à l’homme de théâtre qui refusait l'institution et choisit la marginalité.
Lui écrivait pour témoigner de sa souffrance "même si il n'avait rien à dire" et pour les "analphabètes" . Doit on comprendre que comme Deleuze, il écrit au nom des analphabètes, donnant la langue à ceux qui n'en n'ont pas, ou qu' il écrit pour nous tous qui sommes tous des analphabètes, et ainsi nous rappeler que la langue et le sens nous échappent toujours ?

Ne pas manquer le seul de ses films qui fut réalisé "Le coquillage et le clergyman" (1927) où là encore le langage cinématographique est non verbal, non linéaire , mais onirique et poétique.

Avec ses dessins, son rapport au corps le place dans la famille de Francis Bacon, tant le visage humain est ici, convulsion, cri.

Poignant, ce parcours fait toucher du doigt la complexité et le génie fulgurant d’un homme dévoré par sa « sur-acuité ».

www.bnf.fr

"L'évènement , les images comme acteurs de l'histoire"au Jeu de Paume. (jusqu'au 1er avril 2007)

2007-01-24T15:22:00.000Z

L’idée ici soutenue : c’est l’image qui fait l’évènement et qui le grave dans nos mémoires collectives. L’exposition nous montre surtout que ce n’est pas nouveau car c’était déjà le cas avec la guerre de Crimée en 1850.
5 évènements sont ici traités , chacun avec les médias et les regards propres à leur époque :
- la guerre contre la Crimée (1853-1856)
- l’avénement de l’aviation à la Belle époque : jubilatoire et inventif jusque dans le traitement de l’image!
- les congés payés : entre affiches de propagande et photos du bonheur par Cartier Bresson.
- la chute du mur de Berlin (9 nov 1989): la force du direct, chaque acteur ayant conscience de vivre un moment historique.
- le 11 septembre 2001 : certainement le plus médiatisé.

Mon préféré : la conquête de l'air.
Pour montrer les exploits de Blériot, et ceux des équipes projets pleines de barbus sympathiques, les reportages font eux même une large place à l'innovation : photographie prises en plongée depuis un dirigeable par Léon Gimpel, films en cinémathographe via les actualités pathé dont l'invention est toute récente. C'est la naissance des magazines illustrés avec une nouvelle mise en page où prolifèrent les images (un peu l'ancêtre de Paris Match). On sent que basculement de l'ordre spatial (vue du dessus, perte du répère unique) imprime un renouvellement du vocabulaire visuel (même en peinture, puisque c'est l'époque des Demoiselles d'Avignon de Picasso ou de la tour Eiffel de Robert Delaunay). C'est l'avènement de l'ére moderne telle que nous la connaissons. Le plus terrible , evidement c'est le 11 Septembre, non seulement par l'effondrement d'un mythe mais aussi par le traitement uniformisé qu'il en est fait. En effet l'analyse du corpus de la presseaméricaine, montre que 75% des titres utilisent les 6 mêmes photos achetées à l'American Press : l' uniformisation de l'image conduit elle à celle du texte ? Quid du jeu démocratique alors ? Pour contrebalancer un peu, est présentée l'exposition "Here is new York, a democraty of Photographs" organisée en 2002 à Soho et montrant une multitude de photos amateurs prises sur le vif . Evidemment les portées d'une exposition ou de l'ensemble de la presse ne sont pas les mêmes : quelques milliers de new yorkais dans un cas, contre quelques centaines de millions d'américains dans l'autre.

Stéphane Thidet à la galerie Aline Vidal (jusqu'au 3 février 2007)

2007-01-20T14:31:00.000Z

J'avais déjà repéré le travail de Stéphane Thidet, grâce à sa danse macabre "Ask" présentée lors de la dernière Nuit Blanche (cf billet 10 octobre 2006). Et là encore j'ai envie de "jouer" avec son oeuvre. C'est un univers théatralisé auquel il nous convie : importance de la pénombre et de masses noires dans ses superbes photos, l'installation"le rêve d'une tour"(cf photo) ressemble à un élément de décor de fête foraine cassé et abandonné.
L'oeuvre de Stéphane Thidet tisse avec nous une relation mystérieuse et assez frustante surtout dans la vidéo "Du vent dans les champs", où quelqu' un court dans un champ de maïs. Vu le cadrage tout indique qu'il est poursuivi, à nous d'imaginer s'il s'agit d'un jeu de cache cache, ou d'une course poursuite plus cruelle. De là se crée une tension entre des éléments familiers et leur inadéquation, leur décalage par rapport à l'espace autour , où tout est fait pour que nous experimentions l'anomalie comme dans un jeu qui tourne mal. Une expérience qui vaut le détour par la galerie Aline Vida l.

Vidéos choisies à la galerie Filles du Calvaire (jusqu'au 20 janvier 2007)

2007-01-10T20:20:00.000Z

La galerie Filles du Calvaire invite l'association de diffusion audiovisuelle expérimentale Transat Vidéo et son fondateur Brent Klinkum à présenter une dizaine d'artistes vidéos de son choix.

De cet ensemble, je retiens le travail d'Antoine Boutet, qui dans son film "Zone of Initial Dilution", tourné en 2006, nous montre des endroits délaissés, dont on ne sait si ils ont été détruits ou si ils sont en train d'être reconstruits, avec en fond sonore, ce que je pense être les noms chinois de ces villes. On est dans l'empire du Milieu, on suit le fleuve Yangtse, bien loin des images triomphantes de Shanghai ou historiques de la grande muraille. On apprend qu'il s'agit d'un témoignage sur le bouversement que subissent ces villes reconstruites pour éviter les débordements du fleuve et on voit une sorte d'effacement de leurs architectures et modes de vie locaux. Autour sur les murs des photos avec des chiffres.

L'autre artiste dont j'aime beaucoup le travail est Carolina Saquel. Cette artiste chilienne a d'abord exercé le métier d'avocat tout en exposant ses oeuvres en Amérique Latine avant de décider de venir à Paris pour étudier les beaux Arts à Paris et la vidéo au Fresnoy. Il est question ici de répéres et de leurs pertes avec l'installation "Un portrait peut avoir un fond neutre". Il s'agit de 2 écrans où sont projetés 2 lignes d'horizon entre ciel et mer. C'est filmé depuis la fenêtre d'un bateau à l'arrêt pourtant les lignes se cassent , se fracturent et tanguent. Plus d'appui fixe pour nous, la seule chose que contrôle l'artiste c'est le cadre de la fenêtre du bateau à travers laquelle elle filme et qui nous nous échappe.

Tabaimo à la Fondation Cartier (jusqu'au 4 février 2007)

2006-12-31T14:16:00.000Z

Première exposition en Europe pour l'artiste japonaise Tabaimo, étoile montante de l'animation et de l'art vidéo. Née en 1975, elle s'inspire de la vie quotidienne pour créer ses montages à mi-chemin entre les couleurs des estampes traditionnelles et le flux ininterrompu d'images et de sons auxquels nous nous soumettons quotidiennenent. Elle les met en scéne en s'attachant à y introduire du fantastique, à inquiéter nos sens pour que nous nous approprions et gardions souvenir de l'expérience. "A mon sens, seul un environnement qui suscite le malaise peut déclencher une prise d'initiative chez les personnes comme nous, accoutumées à la passivité de la culture des loisirs...Je souhaite qu'en contrepartie de ces impressions, le spectateur garde le souvenir d'une expérience unique qui n'appartient qu'à lui."
Y aller
- pour découvrir le "Japanese Commuter Train" où sur 6 écrans est reconstitué l'intérieur de train de banlieue. Malgré le calme apparent, se succèdent des scénes incongrues : un cuisinier transforme une écolière en sushi, les bras des passagers tombent un à un.
- rêver dans "midnight sea" où les ondulations, non sans rappeler les vagues d'Hokusai, semblent être des créatures vivantes et étranges.

« Kosuth, du phénomène de bibliothèque » chez Almine Rech

2006-12-16T14:13:00.000Z

Artiste peu souvent présenté à Paris, la galerie Almine Rech reprend en partie ici ce qui a été montré à Art Unlimited à Bâle. Une mise en scéne « éclairée » où il est question d’imagination, d’art conceptuel et/ou « contextuel », avec notamment une phrase lumineuse de Foucault. A redécouvrir. Jusqu’au 23 décembre 2006.

Biennale du Design St Etienne (1)

2006-12-07T15:54:00.000Z

Les choses ont bien évolué depuis ma dernière visite à St Etienne il ya 4 ans. D'une foire "estudiantine" installée dans un parc des expositions banal et un peu froid, on passe à des expositions scénographiées par des designers et chercheurs connus internationalement (Ron Arad, Matali Crasset ...) dans les anciennes manufactures stéphanoises. A partir de ses friches industrielles et anciens bassins miniers, St Etienne compte faire un laboratoire experimental des nouvelles pratiques du design au sens large : urbanisme, développement durable, assemblage génétique, mode vestimentaire, outils domestiques ....). On ne peut qu'encourager cette volonté originale et cette énergie à aller de l'avant dans ce paysage pour l'instant encore un peu triste.

Face à la richesse des propositions lors de cette Biennale, j'ai commencé par flâner dans l'espace bien agencé "Cohabitations", proposé par Matali Crasset. J'ai particulièrement aimé découvrir les collections venant du monde entier de porte-bébé en tissu multicolores (par Mathilde Brétillot) ou de râpes (collection de Mr Michel Duport) montrant l'ingéniosité des traditions populaires.
Toujours dans le registre les objets de notre quotidien : "Jap Gap" montre les objets de designers japonais travaillant hors de chez eux, et notament les très beaux poufs de Kazahiko Tomita. (cf photo)
Et puis un peu plus loin je suis intriguée par le studio de musique léger et nomade Frikiywa pour enregistrer et produire une belle musique métisse entre sonorités traditionelles d'Afrique et electronique jazz de Frédéric Galliano. A découvrir vraiment !
J'ai retenu aussi l' allemand "Relationchip" qui propose un réseau d'échange de vêtements et de customisation, avec une puce électronique retraçant l'historique de ses propriétaires
le labo Synthetix lui propose de faire des protypes.
Et puis je finis par la pièce qui rend hommage à Thierry Kazazian dont le travail pour un dévéloppement durable et sexy continue d'être une source d'inspiration pour beaucoup.

« Zero », au Musée d’art contemporain de St Etienne, jusqu’au 15 janvier 2007.

2006-12-06T09:21:00.000Z

En écho à la rétrospective Klein à Beaubourg, l’avant-garde des années 50- 60 est ici explorée, d’un point de vue international en retraçant les liens entre l’influence de Lucio Fontana, les recherches d’Yves Klein, l’école allemande (Gunther Uecker, Otto Piene, Heinz Mack ) et japonaise (avec Kanyama). Zéro désigne la volonté d’artistes de faire table rase du passé; renonçant à un art qui ne serait qu’un objet et voulant aller vers une nouvelle spiritualité. Pour l’exprimer, ils vont utiliser le blanc comme couleur de prédilection, la structure, la vibration, le mouvement, les phénomènes sensibles de la lumière. Ils organiseront les « expositions d’un soir » pour réunir artistes, critiques, étudiants dans une manifestation festive et ouverte en lien avec la musique et l’architecture également.

On pense au courant de l’expressionisme abstrait ayant lieu aux Etats Unis qui reprend la même idée de temps suspendu avec des artistes comme Rothko ou Barnett Newmann par exemple.

A noter de superbes monochromes blancs animés par des jeux de reliefs , de trames, le "ballet lumineux archaîque" d’Otto Piene (cf photo), et des « pyropeintures » étonnantes. En profiter pour regarder les petits films qui montrent justement les artistes en train de faire, notamment Klein très élégant en costume avec un pompier en train de doser entre le lance flamme et la lance à eau pour réaliser une de ses "peintures de feu" ou Akira Kanamaya pendu à une corde et peignant avec ses pieds dans une étrange chorégraphie.

http://www.mam-st-etienne.fr/

Paris Photo au Carrousel du Louvre (16-19 Nov 2006)

2006-11-18T19:49:00.000Z

Une saison nordique pour le salon cette année.
Je suis intriguée par ces photographes que je ne connais pas bien et qui ont souvent une esthétique épurée et très construite.
J'ai été touché par le travail de Charlotte Gyllenhammar et de ces femmes "upside down". De ses photographies se dégage une impression de légéreté et d'étourdissement. Les images de ces femmes corolles sont obtenues en les photographiant par en dessous sachant qu'elles sont suspendues tête en bas. L'artiste travaille souvent sur les principes de la pesanteur et du vertige, elle a construit ainsi une maison où tout est tête en bas, elle a aussi déraciné un arbre... Ici la surface des choses apparente virevoltante et evanescente contraste avec la vulnérabilité de ce qui n'est pas montré : une femme à l'envers avec jupe par dessus tête.

Toujours dans le registre de l'ambiguité des apparences, l'artiste suédoise Année Olofsson travaille sur aussi sur les postures du corps, qu'elle nous montre de dos, dans sa série "Skinned". Il s'agit de la même femme vue de dos, cadrée jusqu'à la taille. Si on regarde bien, on distingue des mains sous son pull qui lui tiennent la taille sur une première photo, les épaules, les bras ou la tête sur les suivantes. En fait il s'agit de l'artiste et des mains de son père, et d'un travail sur la nature de leur relations que l'on n'arrive pas justement à saisir : de quel amour s'agit il ici ? Là encore on perd nos repères du fait de l'ambivalence des relations photographe/photographié, de la théâtralisation/mise à distance de l'intime.
Toujours avec l'école nordique, les photos d'Astrid Kruse Jensen sont également énigmatiques. On pense à des héroïnes à la Hooper, seules mais ici dans un univers plus inquiétant qu'anonyme.
Et puis pour finir sur ce salon bien mystérieux, j'ai retrouvé les photos noir et blanc de l'américain Mac Addams, toujours captivantes. Il s'agit la encore de mise en scénes inventées par l'artiste mais ici la photographie intervient pour donner les indices d'un meurtre ayant eu lieu ou allant avoir lieu. A l'inverse des photographes nordiqes ici cela fourmille de détails, nous obligeant ansi à recadrer. A nous de trier, d'inventer une reconstitution comme dans un Cluedo hitchockien : qui a bien pu tuer Melle Rose ?

Javier Perez à la galerie Claudine Papillon

2006-11-16T09:03:00.000Z

Javier Perez, né en 1968, originaire de Bilbao a représenté l'Espagne à la Biennale de Venise de 2001.
Le nom de cette exposition qui dure jusqu'au 25 novembre 2006 , c'est "Jardin Interior". Et cela illustre bien cette oeuvre souvent hybride entre l'intérieur d'un corps humain et le végétal. Ici une sculpture en résine rouge sang, posée à même le sol , avec une présence qui rappelle, le coeur et les artères vus au macroscope et la racine d'arbre. Autour des photos d'arbres rouges "doubles" dont les racines évoquent aussi la capilarité de nos vaisseaux sanguins. Et puis cette file de têtes blanches si paisibles, qui commence avec un oeuf pour arriver à la figure humaine par petites étapes et revenir à la forme primordiale de l'oeuf...
C'est à la fois superbe et un peu répulsif aussi, on s'interroge et je garde longtemps en tête les images de son oeuvre en me prenant à rêver : et si à l'intérieur j'étais aussi un peu un arbre ?

Busy Going Crazy (29 oct-14 janv 07)

2006-11-05T10:49:00.000Z

L'exposition à ne pas manquer cet automne à Paris : la collection du belge brésilien Sylvio Perlstein à la Maison Rouge. Même si vous pensez ne pas être sensible à l'artmoderne et contemporain, c'est une excellente initiation.
Aux antipodes d'un art contemporain convenu et froid, cette collection témoigne des rencontres avec les avants garde et les artistes majeurs de notre siècle, de manière stimulante et joyeuse. Libre penseur, amateur curieux, loins des modes et des convenances, Mr Perlstein fascine par son ouverture d'esprit : il a aimé les collages dada (avec entre autres l'artiste peu connu Paul Joostens) les photos surréalistes des années 30 qui couvrent chez lui les murs du sol au plafond (Man Ray, Dora Maar...), celles plus récentes sur le thème du corps de Nicole Tran Ba Vang ou de Delphine Kreuter, l'esprit moqueur des belges avec Mesens, Broothers ou Magritte, les artistes brésiliens avec Tunga, Neto, Muniz, les minimalistes avec Judd, Robert Ryman, Flavin, les nouveaux Réalistes ou l'Arte Povera, et j'en passe. Exceptionnel aussi par la qualité des pièces, il a choisi celles qui interrogent notre regard, qui débutent un dialogue et restent mystérieuses comme ce Pol Bury aux boules rouges au mouvement à peine perceptible, ou encore cette cariole jaune avec foin et néon de Mario Merz.
Et puis on sent le côté intime qui relie l'homme à chacune de ses oeuvres, il vit avec et dit lui même qu"elles lui manquent quand il part en voyage". Ce qui pourrait n'être qu'une leçon magistrale d'art contemporain reste avant tout le témoignage d'un appetit insatiable pour "l'esquisito", mot brésilien qui évoque l'étrangeté des choses et l'envie d'être dérangé.
A lire aussi le billet de Lunettes Rouges sur cette expo.

5 Milliards d'années au Palais de Tokyo

2006-11-04T09:36:00.000Z

Première exposition très stimulante par le nouveau directeur du Palais de Tokyo, Marc Olivier Wahler, que j'imagine fan de sciences § fictions. J'ai bien aimé sa proposition d'oeuvres qui font de la "résistance" à notre regard impatient, d'oeuvres à qui il faut que nous donnions une durée palpable pour qu'elles se livrent ou pas, sans pour autant devenir prétentieuses.
Certaines sont drôles comme " La "lampada annuale" d'Alighiero § Boetti où l'ampoule ne s'allume q'une fois par an. D'autres sont mi-surprenantes mi-angoissantes comme "Breath" de Werner Reiterer qui par une simple affichette collée contre le mur, nous demande de crier aussi fort que l'on peut. A notre cri, répond un enorme souffle au dessus de nous. Ca surprend et doublement.D'abord quand vous êtes au début de l'exposition et que vous entendez des gens hurler au loin, c'est intriguant et boulversant; et puis enfin quand vous êtes acteur de cette installation.
Mes oeuvres préférées sont celles d'Urs Fisher "Untitled Branchs" où une bougie allumée posée sur une grande branche tourne sur une roue, une bougie qui s'éteind à la fin et qui doit être remplacée, qui parait si fragile sur le mécanisme qui lui ne s'arrête pas ... tout est dit. Et puis l'oeuvre de Kristof Kintera "Revolution", où l'on voit un petit bonhomme de dos, qui est immobile et puis qui tout d'un coup, se met à se taper la tête contre le mur, et que j'avoue avoir regardé partagée entre amusement, interrogation, peine et voyeurisme.
Et puis toujours présent au Palais de Tokyo, le magnifique nuage de Cecchini.

FIAC 06 (2)

2006-11-03T09:20:00.000Z

Concernant le "off" de la Fiac, j'ai trouvé le lieu de la Bellevilloise vraiment beau et adapté à la première édition de Slick , et celui de l'hôtel Kube trop exigu pour la Diva Fair , à 6 par chambre, ca ressemble aux Marx Brothers dans leur cabine de paquebot, on est vraiment serrés comme des sardines !!
En attendant la prochaine édition, voici ce que j'ai retenu de la Diva Fair (Kube) :
- la vidéo de Molly Davies projetée sur le lit , de la galerie Zone Chelsea Center
- La vidéo de l'indien Sure Kha : "India" et "Making Home" à la galerie Mamia Bretsché
- le manteau de Michaele Andréa Schatt réalisé en tissu et roses de céramiques , à la galerie Isabelle Gounod.
Et puis à la Bellevilloise , j'ai aimé :
- un panneau plein de fantaisie de Nicolas Buffe chez Schirman § de Beaucé, tous les symboles de mon enfance comme la Vache qui rit , Hello Kitty traités en trait de craie sur tableau noir mais dans des formes baroques avec moulures en trompe l'oeil.
- les belles scupltures lumineuses d'Isabelle Farahnick chez Fat Galerie, assemblage poétique fait à partir d'objets simples si il en est : de boites à nouilles des "take away" et guirlande lumineuse.
-Chez 13Sevigné, le travail de l'ancienne top model australienne Julianne Rose. Reconvertie dans la photo avec talent, notamment ses portraits d'enfants, elle travaille sur le vieillissement et montre qu'on peut bien vieillir et survivre.

FIAC 06 (1)

2006-10-29T11:02:00.000Z

Une FIAC plus nerveuse, plus vive, que les éditions précédentes, et j'en suis ravie. Du fait de la réduction d'espace, il a fallu faire des choix, chaque galerie a du radicaliser son offre. Ainsi on voit mieux qui est qui, les galeries "marchands" et galeries "découvreuses" qui elles ont l'avantage de la cohérence de leur parti pris, on y reconnaît un style.
Deuxième conséquence, la réduction d'espace a conduit à éclater en différents lieux la création contemporaine avec un festival "in" et un "off".
- "in" : Le grand palais pour les galeries les plus établies, la cour carrée du Louvre pour les plus jeunes et le design.
- "off" : à l'espace Pierre Cardin pour les "recalés" de la FIAC, à l'hotel Kube à la goutte d'or pour la vidéo, à Menilmontant pour les jeunes pousses avec Slick.

Au Grand Palais j'ai pariculièrement aimé :
- les propositions de la galerie sino-italienne Continua avec les oeuvres de Shen Zen et j'ai un véritable coup de coeur pour Loris Cecchini et son échelle fantôme emprisonnée dans le mur.
(c'est le même artiste qui a réalisé le nuage au rdch du Palais de Tokyo).
- la galerie italienne Tucci Russo pour sa belle feuille de Penone.
- la galerie Claudine Papillon, pour les scultures de Nathalie Elemento à mi chemin entre design et art, sa superbe étagère blanche laquée et sa table basse aux multiples possibilités.
- le stand de Michel Rein, avec un beau Jean Pierre Bertrand et la vidéo de Fabien Vershaere (celle montréé pour les Nuits Blanches à la Goutte d'Or cf infra).
- l'oeuvre de Bill Woodrow présentée par Waddington Galleries.

A la Cour Carrée du Louvre :
- La galerie belge nadjaVilenne, avec les pièces d'Honoré d'O, bulle de BD en coton et étagère en polystirène.
- la photo retravaillée de la Havane par Couturier.

Fischli § Weiss à la Tate Modern (11 Oct -14 janv 07)

2006-10-17T14:04:00.000+01:00

Flowers § Questions / A retrospective

Réenchanter le monde mais avec des objets simples ou bêtes (bidon d'essence, bouteilles, pneu fourchettes, sculptures en terre pas cuite ...). Je me suis beaucoup amusée et j'ai trouvé cette rétrospective très poètique.
Mettre de l'anodin dans l'exceptionnel et vice versa, et ce avec une grande diversité et inventivité formelles. J'ai renoué avec une âme d'enfant devant les travaux de ces 2 complices suisses. Leur regard sur le monde est profondement humain et taquin.
Ainsi dans le film "The Way Things go" l'écran est séparé en 2, à gauche une nouvelle version de la file de sucres dont le premier tombe et entraine les autres, sauf qu'ici c'est revisité façon enchainement de petites catastrophes avec un pneu qui tombe jusqu'a pousser un bidon qui se déverse dans un bac qui prend feu et qui allume la mèche d'un ballon qui va se dégonfler en tournant et ...
c'est jubilatoire. A droite on voit les artistes travailler dans leur atelier et les multiples essais infructueux et ajustements nécessaires pour parvenir à cet enchainement de phénomènes. Et devant ce making-off de leurs échecs répétitifs on rit comme devant Buster Keaton, c'est totalement burlesque.
" Suddenly this overview" , est une série de 250 petites sculptures en terre, que justement on ne peut pas appréhender d'un seul regard, comme le titre voudrait le faire croire. C'est une microscopique vision du monde et plusieurs choses sont ici mises au même niveau. Certaines terres représentent les moments clés de l'humanité (construction des pyramides, imprimerie de Gutenberg ..) mais évoqués dans toute leur trivilité et banalité, et tout est dans le décalage des clichés. Exemple : une terre montre un couple dans un lit , le titre est "Mr et Mme Einstein juste après la conception de leur génie de fils". Il ya aussi les "popular opposite" comme " big and small" ou justement les 2 personnages ont la même taille, montrant combien tout est relatif, justement !
La série des "Quiet Afternoon" représente des équilibres instables. Elle rend à la photo tout son sens, vu que les photos sont prises l'instant avant que tout parte en vrille ou s' écroule, donc au moment où tout était au mieux avant que ça empire. Natures morte à base de carottes, bouteilles et élastiques , montrant encore la fugacité des choses par un "après midi pas si tranquille" que çà. Finalement on revisite Chardin ici, ca me rappelle une natures morte à la Raie avec un chat prêt à bondir sur le poisson et à détruire le bel ordonnacement des choses , et ainsi à le rendre vivant.

Je ne vous raconte pas tout. En tous cas si vous allez à Londres, c'est l'exposition à ne pas manquer comme ca vous saurez pourquoi elle s'appelle "Flowers § Questions".

Holbein in England (Tate Britain / 28 sept- 7janv07)

2006-10-16T14:18:00.000+01:00

Après l'exhubérance de la Frieze, j'ai eu envie de calme et de sérénité. Je suis donc venue redécouvrir Hans Holbein dit Holbein le Jeune (1497-1543). Né en Allemagne, après avoir passé 10 ans à faire ses preuves à Bâle, l'artiste fait le voyage à Londres en 1526, espérant s'éloigner de la Réforme et travailler à la cour d'Henri VIII. Son art du portrait et de l'orfèvrerie lui fera gagner ce statut et devenir résident permanent. Il pourra ainsi éviter de tomber sous le coup des récentes lois contre l'immigration votées pour calmer les émeutes contre les travailleurs étrangers qui eurent lieu à Londres en 1527 . (Eternel recommencement quand tu nous tiens !). Le fait d'être peintre de cour le protégea et il sut arrondir les angles en montant un atelier où il travailla avec des anglais.
Je n'avais jamais vu en vrai ses dessins et études préparatoires que la liberté de traits et la lègère mise en couleur des caractéristiques d'un visage (pupilles, lèvres ) rendent si vivants. Les peintures, elles sont davantage "statiques" voir "statutaires" sauf peut-être celles de ses amis comme le portrait du philosophe Erasme vu "de profil" (comme sur les pièces de monnaie antiques remises à la mode par la Renaissance italienne) . A l'inverse la peinture d'Henry VIII est celle d'un roi qui doit impressionner, il est donc debout, massif , couvert de brocarts, légèremment vu de dessous pour donner encore plus d'importance au personnage. On admire aussi le talent à peindre les riches étoffes et les foururres.
Quelle réflexion pour chaque détail ! Ainsi pour traduire en peinture, la profession de diplomate d'un de ses commanditaires, il place à dessein son ombre vers nous, afin de nous rendre plus proche cet homme destiné à rapprocher les nations.
Et puis en plus de la cour, il réalisera de nombreux portraits de marchands baltes destinés à être envoyés chez eux : là les portraits sont de face pour que la personne soit vu dans son intégralité. Y figurent en lettres d'or, l'âge du commanditaire et une phrase évoquant la piété afin de rassurer les familles.
En sortant de cette exposition, je me suis dit que c'était pas mal comme moyen de donner de ses nouvelles que d'envoyer son portrait en bel atour peint par un immense artiste. Et vous qui choisiriez vous pour vous tirer le portrait ?

Frieze Londres (12-15 Oct 06)

2006-10-15T12:01:00.000+01:00

Autoproclamée comme un des plus importantes foires du marché de l'art contemporain , la Frieze tient sa 5ème édition à Regent's Park. En regardant la couverture médiatique, qui choisit comme photo Kate Moss au vernissage, je me dis que chaque époque a ses icônes, mais qu'au moins dans les années 70 on aurait préféré un traitement warholien de la Brindille, plutôt qu'une énième photo bien lisse ou bien trash sur papier glacé qui n'étonne plus personne mais qui fait vendre.
Et justement de me demander en regardant la Frieze, si c'était la Frieze qui donnait le ton au marché ou le marché qui donnait le ton à la Frieze. Car devant certains stands, on est au spectacle, à se demander si finalement on ne demande pas à certains artistes de réaliser une pièce pour la Frieze, une pour Bâle puis une pour Miami. Et comme le marché est là indubitablement, cela doit être difficile pour les artistes de résister.
Evidemment certaines galeries à ce jeu là sont rodées et très habiles, comme les galeries et Yvon Lambert ou Gagosian qui exposent d'ailleurs, drôle de coincidence, les même séries de portraits "brûlés" de Douglas Gordon qui tient l'actualité avec sa belle exposition vidéo au MOMA à New York. Dans l'ensemble, ils prennent le minimum de risque , exposent des valeurs déjà établies internationalement qui font l'actualité et essaient d'amortir les frais de leur stand, d'où le prix lyrique de certaines oeuvres. Cela dit, on prend plaisir à admirer les stands de White Cube (belles pièces de Damien Hirst, de Damian Ortega ou Ceryth Wyn Evans) , de Marion Goodman (Thomas Struth, Anette Messager, John Baldessari, William Kentridge) , mais de découvertes pas vraiment , or c'était la promesse de départ de la Frieze. J' ai peut être l'explication de cette surenchère, "on" m'a dit que le coût d'un stand s'élevait à environ 55000€ pour 4 jours, il faut donc pouvoir rentabiliser et le temps c'est de l'argent donc peu de temps pour la découverte. C'est certainement pour cela que j'ai eu l'impression de faire du zapping , avec je le reconnais, l'excitation qui va avec, vite passons à l'artiste suivant qui va peut être me plaire davantage , et ainsi de suite ca peut marcher ... ou épuiser un peu comme sur Meetic, ou chacun se présente sous son angle le plus vendeur et pour être compris en un minimum de temps. Pour moi il me faut peut être davantage de mystère et de résistance, donc un autre rapport au temps que celui de la publicité ou de la finance dont Londres reste la capitale. Quelques exceptions à cette logique zapping avec les travaux présentés par les galeries Roger Ackling et Frith Street Gallery qui montrent des oeuvres qu'il faut prendre le temps d'apprécier : celles de Massimo Bartholiny, Anna Barriball, Annely Judd, David Nash.
En revanche, l'avantage d'avoir le marché, c'est d' attirer le monde entier, donc de belles découvertes dans les galeries étrangères, d'artistes qui sont certainement déjà très reconnus dans leur pays mais que je ne connaissais pas.
Ainsi la galerie libanaise Sfeir Semler avec le travail de Marwan Rechmaoui, qui propose un plan de la ville de Beyrouth sous forme de tapis en gomme noire avec une photo étonnament très paisible qui montre ce qu'on voit au bout de la ville : de l'eau. Belles photos d'amis de Hashem el Madani.

Dragons vus par Paul (Muséum D'Histoire Naturelle)

2006-10-15T09:11:00.000+01:00

Paul aime les dragons et les fleurs. C'est mon neveu et filleul , il a 7 ans et prend de belles photos!! Avis aux amateurs, on va bientôt organiser une expo !

Nuits Blanches 2006 à la Goutte d'or

2006-10-10T15:15:00.000+01:00

Après m'être promenée à Versailles lors de la précédente manifestation, j'ai choisi cette année la Goutte d'or au vu de la richesse de son programme.
J'y ai d'abord appris que le nom de ce quartier provient du vin blanc que l'on y produisait jusqu'au XIX ème siècle. J'ai découvert sa diversité architecturale : friches, l'Eglise des Sans Papiers dont on ne dit plus qu'elle est belle, l'impressionnant volume industriel de la Halle Pajol; je connaissais déjà la rue des Gardes et ses designers, et le Lavoir Moderne Parisien, ancien lavoir reconverti en salle de théâtre au charme fou et à la programmation riche et métissée.
On sent que c'est un quartier en pleine rénovation, dans le bon sens, j'espère que son aspect dépaysant et vivant sera conservé : les pâtisseries orientales, les boucheries halal, des sodas et des fruits venus d'Afrique, avec en plus ce soir l'animation des nuits de Ramadan.
Et au milieu de tout ça des marcheurs parisiens qui redécouvrent leur ville . Vu notre nombre et la curiosité manifestée, on se dit que le rdv plait.
Sur la vingtaine d'intallations proposées , trois m'ont particulèrement plu notament parce qu' elles reprennent le thème des "Vanités" et que j'ai toujours eu un faible pour les têtes de mort, squelettes et autres "memento mori".

"Very Hungry God" de Subodh Gupta, 2006.

Saisissante installation dans l'église des sans papiers que cette énorme tête de mort rutilante, qui doit faire au moins 4 m de haut. Que ressent on la voyant ?
Ca brille , c'est beau et cela nous échappe. Car si on reconnait immédiatement cette icône de notre culture occidentale, on ne reconnait pas à proprement parler les ustensiles qui la composent, on devine qu'il s'agit d'ustensiles de cuisine plutôt en aluminium et qu'ils viennent d'ailleurs. Et puis on se doute vu la nationalité de l'artiste, qu'ils sont indiens.
Alors qu'a voulu nous exprimer Gupta avec cette oeuvre ? Est ce une critique de la mondialisation qui avale tout ce qu'elle touche ? Est ce que ce crâne nous montre qu'au contraire avec des ustensiles issus de la classe moyenne l'homme peut faire de l'art, et ainsi témoigner et dépasser les tabous de cette société indienne ? Comme l'explique l'artiste, aujourd'hui encore si un membre d'une caste inférieure touche votre assiette ou votre nourriture, cela devient "achoor" (intouchable).
Ou alors , parait il, ce serait une métaphore du tsunami qui a ravagé l'Inde en 2005 ?
Alors en relisant le titre de l'oeuvre, je me dis que cette Vanité nous livre en plus du "memento mori" une vision dérangeante de l'Inde d'aujourd'hui, loin des bollywoods et des miracles de la net economie . Et je vais me réconforter en allant goûter et partager avec tous la délicieuse soupe de lentilles que l'artiste a fait préparer à notre intention.

"Welcome to the seven Days hotel" de Fabien Vershaeve, 2006.

C'est un film d'animation avec une musique rock, dessiné à la main, saturé de couleurs et débordant d'imagination. Les traits aux formes rondes pourraient être ceux d'un livre pour enfant. On peut d'abord penser de loin que ce film est très gai et puis petit à petit on voir défiler des crânes, des fantômes qui jouent une danse à la fois joyeuse, macabre et oppressante, des personnages aplatis comme et un peu coincés dans cet univers bidimensionnel et qui m'apparaissent vouloir s'échapper du cadre. Sauf que la ritournelle continue à un rythme soutenu, attendant un dénouement que cette histoire qui n'a pas de trâme ne saurait offrir.
J'ai lu que ce jeune artiste de 31 ans, a dû passer son enfance jusqu'à 15 ans dans un hopital pour enfants malades, qu'il y a dévéloppé une passion pour l'écriture et le dessin. Je me demandais ainsi quel petit personnage était il dans son film, peut être une tête de mort qui ressemble à un tatouage rock et ludique , qui rêve de s'échapper de la mare rouge (qui revient souvent dans son dessin) pour aller dans les arbres ? En fait j'aimerai revoir le film, donc si l'un d'entre vous sait comment cela est possible, je veux bien l'info.

"Ask" de Stéfane Thidet.
C'est certainement l'installation la moins spectaculaire des trois. Il faut être attentif car si il n'y avait pas eu d'attroupement j'aurais pu passer à côté de ce squelette qui fait des pointes comme un petit rat de l'opéra, sans vraiment le remarquer.
Projeté en vidéo noir et blanc dans une vitrine, le squelette semble de taille réelle, c'est à dire la nôtre, et il entame une danse sous un reverbère. Même si d'autres artistes ont déjà fait danser des macchabés, je trouve le traitement de Stéfane Tidet , que je connaissais pas avant, drôle et poétique.

Dan Flavin / Une rétrospective ( 9 juin- 8 oct 2006)

2006-10-06T15:30:00.000+01:00

La dernière fois que j'ai vu plusieurs oeuvres de Dan Flavin à Paris, c'était la collection Plensa, également présentée par le Musée d'art Moderne de la ville de Paris. Sinon il y a le Whitney, ou la Dia Fondation (qui prête justement beaucoup d'oeuvres pour cette rétrospective), mais c'est aux Etats Unis. Bref à ce jour, je n'avais jamais eu l'occasion de voir autant de Dan Flavin à Paris. Et c'est dommage que cela ne dure que le temps de l'exposition, car je ne m'en serai pas lassé !
J'aime ces tubes de néon, qui de manière si simple rythment, colorent, habitent l'espace. Dan Flavin les laissent évidents et présents, sans chercher à les cacher pour n'en conserver que leurs effets spacio-lumineux, comme pourrait le faire James Turrell.
Il dit lui même "on ne peut pas considérer la lumière comme un phènomène objectif mais c'est pourtant ainsi que je l'envisage. Et comme je l'ai déjà dit, jamais art n'a été si simple, ouvert, direct". Et c'est vrai, on n'a pas besoin d'être initié pour être profondémént touché par son oeuvre. Alors à mon sens, il ne faut pas trop écouter certains historiens d'art et critiques, qui compliquent souvent les oeuvres issues du courant minimaliste les rendant hermétiques, alors que justement, du fait de leur grande simplicité formelle elles se veulent accessibles au plus grand nombre.
Pour autant avant d'arriver à ce qui nous parait évident en 2006, ce ne fut pas si simple. Je me demandais ce qui fait qu'un artiste dans années 60, en arrive au tube de néon pour s'exprimer ?
Quand on regarde ses premières oeuvres (intelligemment exposées aussi), on se dit que pour arriver à cette évidence il est parti de loin : ce sont des petites peintures abstraites, très sombres avec beaucoup de matière, ne laissant en rien augurer l'évanescence formelle de la suite de son travail. Et puis, à partir de 1961 (à 28 ans), il franchit un cap décisif en réalisant des boîtes monochromes surmontées d'un petit néon, une des "icônes" est dédiée à son frère jumeau qui meurt à cette époque. Je ne peux m'empêcher de penser qu'en choisissant le néon et le caisson, il a ainsi actualisé le geste de la bougie qu'on allume sous un autel à la mémoire des défunts. L'artiste de père irlandais a reçu une éducation religieuse.
Pour moi, c'est comme si avec ces néons, il avait au départ cherché à prolonger la mémoire d'un être cher. Et la façon qu'il a de nommer ses oeuvres : dédicaces à des personnes ou artistes dont il se sent proche, renvoie au même processus : activer et prolonger la mémoire. Et cela fonctionne. Car grâce à lui, on se remémore la tour inachevée de Tatlin, on s'interroge sur William d'Ockham (qui est comme on me l'a soufflé un franciscain et philosophe du XIVeme siècle, adepte du peu et de la simplicité...) ou sur l'identité de Susan Dawn (qu'on découvrira galeriste et à qui il dédie une de mes oeuvres préférées).
Au niveau perceptif il convient d'y regarder à deux fois ... au moins. Ainsi pour l'oeuvre "Untitled (to you Heiner, with admiration and affection)", longue barrière de modules carrés, la lumière dégagée nous apparaît verte (surtout si l'on a fixé le rouge des néons de la pièce précédente). Pour autant quand on se rapproche pour regarder de près les néons, ils semblent très proches du blanc. Et les néons placés dans l'entrée que l'on aperçoit depuis cette dernière pièce de l'exposition nous apparaissent maintenant roses alors qu'il ya une heure quand nous sommes entrés, ils étaient absolument blancs. Alors un peu déboussolés, on va demander à un gardien "C'est vraiment vert ?" et lui de nous répondre " En tout cas, ca semble vert, et on en sort tout mauve".
Pensée associative : autel, arc en ciel, 2001 l'odyssée de l'espace, la pharmacie d'en bas de chez moi.

Création "le présent oublié" de Patrick Defossez

2006-10-02T15:03:00.000+01:00

Dimanche je me suis rendue aux matinées contemporaines au grand théâtre de Reims, pour écouter "Présent oublié", composition contemporaine pour quartet de Patrick Defossez.
Première surprise, nous sommes placés en coulisse, sur la scène derrière les musiciens , avec une vue imprenable sur la salle en boiserie art déco.
Autre surprise, le son vient non seulement de la scène, mais aussi d'ailleurs, à côté de nous, derrière nous, et le plus étonnant au dessus de nous. Ca commence par des sonoriés électroniques mystérieuses rappelant les chantiers, les sous bois, et puis l'eau surtout.
Le hautbois est ici électroacoustique (invention du musicien) le son est chaud et texturé. Enchaînent la batterie aux objets composites : "cloches, zarb, "djumbe" etc, le piano "minimal" . Différentes séquences se succèdent, les musiciens du quartet se répondant avec précision liberté et harmonie, car si certains caps sont fixés, si l'écriture est structurée, il n'en reste pas moins une grande part d'improvisation. Pour organiser cette liberté polyphonique, il aura fallu un an et demi de travail au compositeur Patrick Desfossez. D'origine belge, formé en orchestration à la Berklee School, il choisit la France où il privilégie le jazz, puis le contemporain en piano improvisé. Et ici dans cette pièce c'est de tout ce passé , cette mémoire dont il est question. Ce qui m'a plu c'est le côté sensoriel et inventif qui en ressort : on voit le compositeur pianiste plonger dans le "corps" de son piano à queue pour caresser les cordes, ou les pincer avec différents ustensiles. Nous sommes invités ici à un voyage sensible, loin des musiques froides et trop cérébrales (en tout cas pour moi), à une musique métissée entre les influences du jazz et de John Cage, où j'ai retrouvé quelques accents d'ailleurs , du nord afrique à l'Ecosse. Après ce beau voyage d'une heure, on est convié par les musiciens à voir leurs instruments, à échanger avec eux et puis prendre un apéritif au champagne; bref on en sort heu-reux et recompensé d'avoir pris le train de 08H16 ce dimanche matin !

Connaissez vous Happy New Ears ? ( 23 sept - 8 oct 2006)

2006-09-27T21:44:00.000+01:00

Cette manisfestation a lieu Courtrai en Belgique ou plus exactement à Kortrijk, dépaysement garanti à 1H30 de Paris.
Le parcours entre les installations sonores interactives permet non seulement de découvrir une belle ville flamande, avec un beffroi et des églises datant du XIV eme siecle mais aussi d'expérimenter de nouvelles manières d'écouter, de sentir le son.
4 installations ont particulièrement retenu mon attention :
- "Ondulations " de Thomas Mac Intosh (Québéc)
- "Raindance" de Paul de Marinis (USA)
- "Skyhooks" de Zéroth (Croatie/USA)
- " A fleur de Peau" de Lynn Pook (France)

"Ondulations" de Thomas Mac Intosh

Ici pas d'interactivité, Thomas Mac Intosh nous donne à voir la naissance, la propagation et la fin de l'onde sonore. Nous sommes dans le noir, un volume rectangle sur lequel coule de l'eau est placé à même le sol, un spot de lumière rasante le fait apparaitre lisse et blanc. En face de nous, sur le mur se trouve un écran où est projetée l'onde mais sous sa forme d'oscillation électrique d'encéphalogramme de vague;
Au début, la surface du plan d'eau est lisse et l'écran totalement noir. Puis naissent à la surface de l'eau des ondulations circulaires à partir de 2 foyers, sans pour autant que l'on voit les gouttes, capables de déclencher ce processus, tomber. De plus un détail est troublant, plus le rythme s'accélére, plus le foyer au lieu de se creuser, est comme aspiré vers le haut (cf photo), inversant ainsi les lois de la gravité. (on admire en plus la virtuosité technique qui consiste à réaliser une installation électronique et aquatique)
En fait, c'est en dessous de la surface de l'eau que l'ondulation est déclenchée grâce à 2 haut parleurs que l'on ne voit donc pas... Et à l'oreille on comprend plus le son comme le résultat que comme l'origine.
C'est superbe et hypnotique. On en sort envoutés en se surprenant à penser aux temps des cathédrales qui matérialisaient les théories sur
le macroscosme et le microcosme et où le son et la musique exprimaient les principes divins qui sous tendent la structure de l'univers.
Pensée associative : sonorité des cathédrales, gong chinois.

" A fleur de Peau" de Lynn Pook

Au loin, on voit 2 cabines" d'essayage" avec 1 personne dans chaque, apparaissant en transparence comme une ombre chinoise. Plein de fils "sortent" de la personne, comme s'il s'agissait d' un humanoïde en train de se faire recharger. En fait quand on devient le cobaye volontaire de cette expérience, on vous installe des écouteurs fixés avec des bandelettes sur différentes parties du corps (front, oreilles, mains, pieds, plexus, genoux). Ces bandelettes sont reliées par des fils à un ordinateur qui programme pendant 10 min des sons que l'on n' entend pas mais qui nous touchent au sens propre, puisque le son n'est pas destiné à être uniquement entendu, mais à être ressenti à "fleur de peau" puisqu'il vient vous chatouiller l'épiderme par salve.
Pensée associative : Acupuncture , Enki Bilal.

"Skyhooks" de Zéroth

Ici vous êtes sur une grande et belle place, et l'on vient vous proposer de porter un casque de chantier ou un marteau auquel est attaché par un long fil un énorme ballon rose, et l'on vous demande de trouver grâce à eux des objets sonores cachés dans le ciel. Après quelques secondes, vous commencez à marcher et puis "zapp gluing" plein de sonorités étranges se déclenchent. En fait vous l'aurez peut être compris c'est un procédé mécanique . Ce qu'il ya de drôle c'est d'observer les adultes tenant leur gros ballon en train de marcher avec des pas chassés en espérant débusquer une sonorité , ou alors un vol de pigeons qui provoque également une floppé de sons.
Pensée associative : Jacques Tati.

"Raindance" de Paul de Marinis

Là vous devez vous munir d'un large parapluie blanc (qui vous attend) afin de passer sous différents pomeaux de douche d'où de l'eau s'écoule. Et là alors qu'entre les pomeaux vous n'entendez que le bruit de l'eau, quand vous vous arrêtez dessous, une musique connue se met à être sifflée et vous enveloppe . lle s'arrête quand vous sortez de la douche. (Ici c'est le contact du parapluie avec le filet d'eau qui déclenche le processus. Donc si vous allez sous l'eau sans parapluie , pas de musique)
C'est typiquement le genre d'installation dont l'expérience est assez jubilatoire et sous laquelle on repasse plusieurs fois;
Pensée associative : Gene Kelly, les demoiselles de Rochefort.

Adel Abdessemed au Plateau (14 Sept-19 Nov 2006)

2006-09-27T16:11:00.000+01:00

Il y a une certaine ironie à voir une carcasse de voiture calcinée servie sur ce plateau !

Cependant le travail d'Adel Abdemessed m'a aussi touché. J'ai bien aimé le contraste entre l'écho de violence auquel nous renvoie son travail et l'extrême maitrise dans le choix et le traitement des matériaux : marbre sculpté et poli pour les totems/perceuses ou bien céramique cuite au four pour la voiture calcinée. Comme si l'art pouvait grâce au travail de la main de l'artiste témoigner, provoquer mais aussi apaiser. Si j'ai mal interprété son intention, je me suis dit qu'il avait quelque chose de sincère et de fort à partager. Alors j'aurai bien aimé qu' un des 4 médiateurs présents viennent vers moi pour me faire découvrir cette oeuvre singulière dans une démarche vivante et ouverte et non pas devoir aller chercher ces étudiants au discours appris, sussuré et trop poli.